Il Corpo Nell’Arte

La rubrica Il Corpo Nell’Arte indaga come e perchè il corpo è ancora oggi soggetto irrinunciabile della produzione artistica e quanto sia ampio lo spettro di possibilità espressive che offre.
Fuori dal cliche di un arte contemporanea distante dall’uomo comune, l’approccio a queste opere è meno faticoso rispetto ad altre con un astrazione totale tra immagine e significato.

Fin dalle prime forme di rappresentazione, attraverso le varie epoche il corpo umano è soggetto inesausto delle diverse pratiche artistiche.
Senza il corpo non ci sarebbe l’arte stessa, così come tutto ciò che è prodotto umano.
Ogni opera che rappresenti il corpo si pone in diretto riferimento con ogni individuo, la comprensione non è mediata, l’empatia agevolata.
Nonostante la ridefinizione dell’arte e il moltiplicarsi di tendenze e prassi non figurative succedutesi nell’ultimo secolo, il corpo rimane ancora protagonista della ricerca di svariati autori contemporanei.
L’uso del corpo come soggetto/oggetto assume oggi di volta in volta intenti e significati nuovi, disparati e talvolta opposti.
Dalla continua indagine sulla forma fino alla sua trasfigurazione, dalla valenza politica a quella sociale o individuale, dall’attenzione alle pulsioni carnali e sessuali alla trascendenza metafisica, dalla narrazione epica a quella del quotidiano fino alla perdita di identità e via continuando con gli innumeri temi a cui il corpo è chiamato continuamente ad esser simbolo.

Bill Viola alla Cripta San Sepolcro

Il contemporaneo si immerge nell’antico: Bill Viola torna a Milano con una straordinaria esposizione nella cripta di San Sepolcro.

Espone tre video opere: The Quintet of the Silent, The Return, Earth Martyr.

Nel Quintetto del silenzio, opera del 2000, cinque uomini che in sequenza cambiano le loro espressioni: da una totale indifferenza ad un forte turbamento per arrivare di nuovo alla calma, un vero e proprio teatro di emozioni. Particolare la lentezza delle immagini permette all’osservatore di cogliere tutti i cambiamenti nelle reazioni.

Nell’opera Il ritorno (2007) vediamo una donna che vaga nella luce: ad un certo punto varca una linea immaginaria che rappresenta la fine della vita e l’inizio della morte. «Si avvicina lentamente a un limite invisibile, attraversando la soglia tra la vita e la morte» come descrive l’artista. Nell’ultima opera Martiri della Terra, inaugurata nel 2014 nella Cattedrale di San Paolo a Londra, troviamo un uomo sommerso da un cono, Inizialmente si trova sopraffatto dal peso dell’elemento ma dopo comincia a farsi forza e a risalire liberandosene.

Tutte opere che affrontano il tema della nascita, della morte, della rinascita, e della coscienza umana, opere che creano un dialogo vivo con il luogo che le ospita: una delle chiese più antiche di Milano. Preghiere, pianti, speranze, la cripta San Sepolcro per tanti secoli ha visto e sentito le emozioni di migliaia di persone. Ora Bill Viola, il più celebre video artista vivente, crea un viaggio che accompagna lo spettatore alla comprensione dell’impercettibile bordo che esiste la vita e la morte, che mostra le emozioni delle persone. Durante questo viaggio, lo spettatore entra in contatto con le opere di Bill Viola, ne viene coinvolto emotivamente, i video agiscono come uno specchio, riflettendo le nostre emozioni che si amplificano dalla bella architettura e dalla storia antica della Cripta.

Piazza San Sepolcro, Milano

Dal 17 ottobre al 28 gennaio 2018

dalle 17:00 alle 22:00. Sabato sera alle 23.00

Ingresso ogni ora, SOLO per prenotazione (sotto)

Biglietto 10 €, bambini gratis

L’architettura della cripta non consente l’accesso ai visitatori con gravi disabilità motoristiche

Un’iniziativa di: Milano Card

In collaborazione con: Bill Viola Studio

Con il supporto di: Regione Lombardia, Comune di Milano, Biblioteca Pinacoteca Accademia

 

Shirin Neshat: l’antitesi del femminismo occidentale

Siamo ormai abituati, forse meglio dire assuefatti, dal femminismo in salsa occidentale. Siamo convinti che la maniera migliore per vivere sia la nostra e guardiamo al medioriente come un posto in cui la donna viene continuamente soffocata dalle restrizioni cultural-religiose. Il nostro etnocentrismo è alimentato da una visione parziale che i mezzi d’informazione hanno sempre lasciato passare e che si riassume in un semplicistico “noi siamo liberi e loro no”. Shirin Neshat è un’artista che aiuta tantissimo a comprendere quanto lo stile di vita occidentale non sia assolutamente la soluzione ai problemi della donna orientale.

Nata nel 1957 in Iran la Neshat ha vissuto in prima persona l’evoluzione del medioriente negli ultimi sessant’anni. Nel 1974 si è trasferita negli Stati Uniti a seguito della rivoluzione islamica nel suo paese e in America è venuta per la prima volta a contatto con la società occidentale, imparando presto le differenze rispetto alla sua cultura d’origine. Grazie a questa doppia esperienza e a un spirito critico sopraffino è riuscita nella sua carriera di fotografa, regista e visual artist a raccontare il ruolo della donna nella società.

Nelle sue immagini le tematiche connesse all’islamismo ne oltrepassano abbondantemente i confini, riuscendo a colpire la sensibilità dello spettatore non solo verso il mondo orientale ma anche verso quello occidentale. Attraverso i suoi racconti figurati riusciamo a comprendere quanto i problemi della società islamica siano vicini ai nostri e come il maschilismo tanto criticato ai mediorientali non sia così diverso nei principi di fondo a quello diffuso nella nostra cultura america-centrista.

Shirin Neshat è quindi una delle artiste più interessanti tra quelle che hanno posto al centro della loro indagine la donna, riuscendo a superare di gran lunga quel femminismo stereotipato che sa solo chiedere uguali diritti ma con più privilegi. Sia come regista, sia come fotografa, sia come visual artist, la Neshat riesce sempre a offrire un punto di vista originale e fuori dai canoni del politicamente corretto, vero cancro dell’arte contemporanea.

 

Sarcasticamente profano. Il mondo ultra contemporaneo di Francesco Vezzoli

Ma che ci fa il volto di Lady Gaga al posto dell’Apollo del Belvedere dechirichiano? E Sophia Lauren sulla copertina di Vanity Fair con due lunghe e dorate “lacrime” che le scorrono lungo il viso? Che cosa sto guardando se a una scultura di Antinoo si contrappone quella del suo immaginario, fittizio, amante che in maniera del tutto sfrontata e assolutamente illogica gli manda un bacio? Di cosa si tratta: classico, neoclassico, contemporaneo? È Francesco Vezzoli, l’artista sarcastico, profano, irriverente. Francesco Vezzoli il voyer di se stesso. Non vi preoccupate se in un primo momento vi potreste sentire smarriti, presi in giro e di colpo proiettati in un mondo in bilico tra il paradosso e il kitsch o, ancor di più, quando vi troverete davanti, o meglio, “dentro” una delle visionarie opere di Francesco Vezzoli. Una volta terminato di osservare le sue opere, non vi sentirete certo meglio, vi guarderete perplessi negli occhi, ma proprio in quel momento ne riconoscerete la genialità. Non è da tutti avere la capacità di raccontare non una, bensì milioni di storie e temi attuali, attraverso l’uso e riuso del passato come un vero e proprio “ritorno al futuro”.

Nell’apparente contraddittorietà di accostamenti e paradossi della sessualità, Vezzoli crea una vera e propria poetica che ha come base di tutto il dolore. Nascosta dalla confusione e dall’estremizzazione di sé attraverso gli altri, si cela, impercettibile, una vaga aura di sofferenza. Si tratta dell’indomita ed esasperata concezione di sé nel tempo moderno, in cui i social network permettono a chiunque di essere riconoscibili e avere una certa credibilità (o, forse, di non averla proprio). È il dolore per quelle icone dimenticate o quelle che, presto, allo scemare della fama, rimarranno solamente un malinconico ricordo. Perché a pensarci bene, in un mondo ultra contemporaneo, dove il dominio di tutto è dato dalla capacità tecnologica di pubblicizzazione di sé, la ricerca di tutto gira intorno a una smoderata necessità di fama. Ma non è solo questa tipologia del sociale che Vezzoli prende di mira.

Nel calderone di citazioni, parodie e aspetti totalizzanti, autoironici e provocatoriamente narcisistici, anche il mondo dell’arte contemporanea si confonde. Il museo si presta, nelle abili mani di Vezzoli, come trasformista, è profanato e la linearità di ruoli rimbalza da una parte all’altra come una scheggia impazzita. Il museo diventa la parodia di se stesso e ciò che avviene al suo interno è assolutamente incomprensibile e dunque permesso.

È un mondo in cui vige un continuo mascheramento di sé e degli altri, attraverso corpi e autoritratti improbabili con ripetuti accostamenti che generano dissapore e tensione. Vezzoli crea e ricrea continuamente corpi, ridefinendo un nuovo concetto sociale che prevede una critica ben più costruita che la sua reale esposizione. Forse è da considerarsi come il mago per eccellenza dell’ultra sociale e dell’ultra contemporaneo e, allo stesso tempo, il maestro indiscusso dell’antico rinato non come unica forma esemplare di un tempo che fu, ma in continuo cambiamento e dinamismo verso una visione ironica e sarcastica di quei modelli di fronte all’eccesso del mondo odierno.

Sono rappresentazioni di altre forme di un corpo incessantemente sotto attacco, forme reiterate di sessualità confuse, dove la fine di tutto è la spettacolarizzazione di sé. Bisogna mettersi il cuore in pace e accogliere la sfida cui ci invita a partecipare Vezzoli mentre ci sussurra all’orecchio: «Così è, se vi pare».

 

Marina Abramovic e Ulay. Due corpi nudi per la performance Imponderabilia

Il corpo non è solo lo strumento per eccellenza attraverso il quale l’uomo riesce a esprimere i propri sentimenti, il corpo è il mezzo attraverso il quale numerosi artisti hanno deciso di affrontare temi differenti, presentandoli al pubblico attraverso un’ottica nuova, originale e moderna.

Tornando indietro di qualche decennio è possibile esaminare come negli anni ’70 la nudità del corpo umano fosse considerata un tabù, l’esser nudi provocava disagio fra i membri della società, era un oltraggio al pudore, uno scandalo per la pia morale cattolica.

Marina Abramovic ha affrontato tale questione attraverso la performace Imponderabilia, un’esibizione del 1977 realizzata presso la Galleria Comunale d’Arte Moderna di Bologna insieme al proprio compagno, l’artista tedesco Frank Uwe Laysiepen, meglio noto con l’appellativo di Ulay.

Si tratta della messa in scena di due corpi completamente nudi, posti uno di fronte all’altro in uno spazio stretto. Qual è però la particolarità della performance? Se il corpo nudo crea imbarazzo, scandalo, perché non viene semplicemente ignorato dal pubblico? Non è possibile far finta che i corpi dei due artisti non esistano, per entrare nel museo il pubblico è obbligato a oltrepassare i due corpi e trattandosi di uno spazio strettissimo non c’è la possibilità di passare dritti, senza interagire con i corpi estranei, i visitatori sono costretti a rivolgersi verso Marina Abramovic o in direzione di Ulay.

E’ la psicologia dell’individuo ad entrare in gioco nella performace: verso quale corpo si volgerà il pubblico? E’ il corpo femminile o quello maschile a creare minor turbamento? La nudità provoca disagio, perciò per molti individui dover operare una scelta diventa una vera e propria sfida. Non sono gli artisti a sentirsi in imbarazzo, essi hanno trasferito tale sensazione al pubblico, il quale deve fare i conti con le proprie emozioni e istinti, affronta il tabù ed entra letteralmente in contatto con esso, diventando così parte integrante della performance artistica.

 

Human: la condizione umana oltre il corpo di Antony Gormley

Antony Gormley, mondialmente riconosciuto per le sue sculture, installazioni e lavori pubblici è, prima di tutto, l’architetto di una nuova percezione di sé che ci riporta a valutare e a ripensare la condizione dell’uomo nel mondo. Gormley è l’artista per eccellenza che ha fatto della ricerca filosofica intorno al corpo la sua linea stilistica. Le sue sculture sono inaspettate e imbevute di una condizione umana legata in maniera imprescindibile al corpo stesso dell’artista. Infatti, ogni scultura nasce da un calco grezzo del corpo dell’artista britannico, che ne diventa la matrice e sistema di misura per ogni traccia scultoria che realizza. Al di là dell’aspetto puramente formale, Gormley ha impostato la sua intera carriera artistica delineando un’unica ragione di pensiero che oltre al corpo, vede centrale la relazione spaziale e architettonica in cui il corpo sta al mondo. In una sartriana idea di corporeità, il corpo intriso di soggettività, non è più semplice oggetto ma corpo-soggetto che assume caratteristiche in evoluzione e diventa simbolo dell’essere davanti al mondo.

La triade artistica di Gormley si enfatizza attraverso la percezione di sé nel mondo. Corpo, anima e spazio sono i tre aspetti dell’umano che fanno dell’opera dell’artista britannico una costante in continua ascesa verso un’esasperata ricerca di sé. La presenza del corpo è spesso relazionata al suo essere collettivo, la folla è uno degli espedienti attraverso cui l’artista esplora l’idea di scultura sociale affidando al pubblico la capacità di relazionarsi alla massa, ai volumi e a una ricerca psicofisica.

Oltre al corpo lo spazio, circoscritto da leggi architettoniche e spaziali delle mura che lo possono circondare o delimitare da vitalità naturali, è dotato di forze contrastanti. Lo spazio è per Gormley una cassa di risonanza per una produzione costante e notevole di energia. Gli ultimi lavori dell’artista, infatti, si relazionano allo spazio come prodotto nato dall’incontro di sistemi di energia e campi di forza. L’attenzione si sposta dal corpo e dai volumi verso una ricerca sulla capacità di creare strutture apparentemente leggere, all’interno delle quali Gormley costruisce un ambiente claustrofobico in cui il corpo è incline a perdere ogni punto di riferimento.

L’arte di Antoni Gormley non è un’arte relazionale, è un processo di mistificazione dell’essere umano nella costante battaglia dualistica tra corpo e mondo. Ogni percezione di sé o di sé nel mondo è riprodotta attraverso l’uso di materiali pesanti, geometrici che lavorati e giustapposti creano strutture fragili e in bilico tra sé e il reale. Ogni costruzione volumetrica, pur nel suo astrattismo diventa riconoscibile e mantiene il suo aspetto più tangibile attraverso l’attenzione corporea che l’artista affida alle sue sculture. La matrice è il reale che permette ai corpi ferrosi di Gormley di ancorarsi a un racconto intimo, privato che ci conduce alla riflessione più antica del mondo circa la presenza dell’uomo nel mondo e le infinite possibilità di connessioni che ci legano indissolubilmente gli uni agli altri.

 

 

Da Vito Acconci a Milo Moirè: com’è cambiata la percezione della Body Art ai tempi di Two girls one cup

La Body Art è certamente la forma d’arte più controversa del panorama moderno. L’utilizzo diretto del proprio corpo per fini artistici si traduce molto spesso in performance oltraggiose che superano il limite della decenza. Chi frequenta i social network ricorderà sicuramente lo scalpore che fece nel giugno 2016 l’artista svizzera Milo Moirè, arrestata a Londra per essersi fatta palpare e masturbare in piazza dai passanti durante una performance artistica. La notizia ebbe parecchia risonanza mediatica e finì in breve tempo su tutte le testate, la Moirè fu denigrata e l’esibizione fu derisa. La recente scomparsa del newyorkese Vito Acconci, un pioniere della Body Art mondiale e autore di performance che hanno fatto la storia, un gigante che ha saputo spaziare anche nella poesia e nell’architettura, ci riporta a quella notizia virale di un anno fa.

Si perché nei vari coccodrilli usciti su Acconci l’esibizione più citata è la famosa Seedbed del 1972 alla Galleria Sonnabend di Parigi, consistente in una piattaforma sopraelevata sotto la quale l’artista si cimentava in atti masturbatori ripetuti a sfinimento davanti a un microfono e una telecamera. Il visitatore che camminava sopra la pedana ne udiva i gemiti dagli amplificatori e poteva scegliere se interagire con voyeurismo o andarsene via. Potrà sembrare una cosa da depravato e forse lo è, ma non c’è dubbio che Seedbed sia una pietra miliare della Body Art e a modo suo costituisca un pezzo di storia dell’arte.

In questo tipo di performance la volontà dell’artista è quella di shockare il pubblico e metterlo faccia a faccia con i limiti imposti dalle convenzioni sociali. La sessualità esce dai tabù dell’educazione, le inibizioni si azzerano e la persona diventa padrona assoluta del proprio corpo. L’artista diventa così espressione di libertà totale, mentre il pubblico, partecipe della sua libertà, si libera a propria volta di tutta l’impalcatura di regole imposte dal vivere civile. La Moirè è una continuatrice delle idee di Acconci, di Marina Abramovich e di tanti altri che in passato hanno usato, più o meno efficacemente, il proprio corpo come strumento di lotta culturale.

Detto questo, la domanda è: oggi questi atti performatori hanno ancora senso di esistere? È utile nella nostra società occidentale, moderna e multiculturale, comunicare con questi mezzi? Abbiamo attraversato un ventennio televisivo fatto di vallette e subrette che definire disinibite è un eufemismo (in Italia, tanto per citare un altro recentemente scomparso, siamo arrivati a vedere sculettare pure le minorenni per merito di Gianni Buoncompagni) e oggigiorno abbiamo pure la rete veloce che ci consente di vedere i pornazzi in alta definizione sul cellulare o girarli direttamente noi in POV. Dunque siamo sicuri di essere ancora ricettivi verso queste performance o dopo Two girls one cup ormai ci fa ridere tutto? La sensazione è che certi estremismi oggi abbiano perso d’impeto rispetto ai tempi in cui si esibiva Acconci, la società è cambiata e quello che ha funzionato in passato oggi comunica solo esibizionismo. Il problema è che di questi tempi l’esibizionismo fa parlare parecchio, il rischio di screditare la genialità della Body Art e di conseguenza decretarne la morte è alto.

 

Pittura o fotografia? Il potere di Omar Ortiz

Laurea in Design per la comunicazione grafica e tanta passione per il disegno e l’illustrazione dei corpi, si chiama Omar Ortiz, artista nato a Guadalajara in Messico, nel 1977, dove oggi vive.

Fin da giovane ha sempre mostrato interesse per il disegno e la pittura, e durante la formazione ha studiato anche altre tecniche quali il pastello, carboncino, acquarello, acrilico, e aerografia. Poi finalmente ha trovato il suo cavallo di battaglia: la pittura su tela ad olio, nel 2002 infatti frequenta un corso sulla pittura ad olio con il pittore Carmen Alarcon, che considera il suo principale insegnante di Arti Plastiche.

Ciò che attrae l’occhio fin dal primo istante, è la massima perfezione dei dipinti di Ortiz, al punto da farle sembrare vere e proprie fotografie. Donne, nude o semivestite, sono i suoi soggetti preferiti: il corpo della donna in tutta la sua naturalezza e sensualità, il volto, nascosto dai capelli o da lenzuola bianco latte, oppure ancora particolari come un intreccio di braccia e mani. Ortiz si sente attratto da questi temi, oggetti di desiderio per eccellenza per l’uomo, fa di tutto per imitare la realtà nel massimo della sua potenza, ottenendo ottimi risultati. Sembrano davvero delle fotografie, se in alcune foto non venisse ripreso anche l’artista, che col pennello si accinge a toccare la tela. Ortiz crea tuttora oli su tela considerandola la più nobile delle tecniche, contrapponendo la precisione e la perfezione dell’Iperrealismo, corrente sviluppatasi in America dalla fine degli anni Sessanta.

Forse oggi siamo troppo abituati alla digitalizzazione della realtà attraverso la fotografia, dandoci la possibilità di immortalare ogni istante, abbiamo forse perso la meraviglia dell’immagine, come frutto di un opera d’arte. Portare in pittura la perfezione della fotografia dunque, è stato un modo per coinvolgere ancora una volta le persone a interrogarsi sul mondo e sulla percezione che ne abbiamo, e le donne di Ortiz lo dimostrano totalmente.

«Da quando ho cominciato a dipingere, ho sempre provato a rappresentare le cose il più realisticamente possibile. Qualche volta ci sono riuscito e altre no, ma la cosa sicura è che per me è veramente difficile fare il contrario. Ho intrapreso la sfida di riprodurre il colore della pelle e tutte le sue nuances sotto luci naturali, in particolari condizioni luminose. Mi piace la semplicità delle mie opere poiché credo che gli eccessi ci facciano più poveri che ricchi».

 

Le estensioni corporee di Rebecca Horn

Prolungare il corpo non è solo una fantasia, è un atto possibile. L’artista Rebecca Horn è famosa proprio per le sue estensioni corporee, performance che attirano lo sguardo dello spettatore grazie alla teatralità insita in tale gesto, un atto che non sarebbe possibile senza l’illusione creata dall’affascinante mondo dell’arte.

A partire dal 1968 Rebecca Horn ha realizzato le sculture tessili, ovvero protesi di stoffa e altri materiali fatte aderire al corpo, le quali costituiscono dei veri e propri prolungamenti aventi la capacità di alterare, ma anche limitare, i movimenti dell’artista, richiamanti alla mente del pubblico non solo dei bizzarri abiti alla moda, ma anche le camice di forza che impediscono la fluidità dei movimenti del corpo.

Esemplare è Arm Extensions, scultura tessile del 1968, ove abnormi maniche rosse legate a una fasciatura delle gambe e del busto imprigionano un corpo nudo femminile, come se fosse una mummia. Nonostante la postura eretta, l’interprete di questa performance avverte la sensazione di pesantezza che si impossessa delle braccia fasciate, più simili a due grandi cilindri scarlatti, l’impressione è quella di toccare il suolo, il corpo umano si fonde e si unisce così alla pavimentazione sottostante, le braccia diventano dei pilastri, sostenitori del resto del corpo, paragonabili ai grandi pilastri che reggevano il peso della struttura delle chiese medievali.

Quando si prende in esame l’operato artistico della Horn non è possibile non prendere in considerazione Unicorn (1970), ovvero un cappello costituito da una sorta di antenna, elemento ispirato alla protuberanza di uno dei più affascinanti animali fantastici, l’unicorno. Non è una semplice estensione corporea, attraverso l’unicorno si intende “sentire di più”. Se si pensa che questo animale fantastico era nel Medioevo il simbolo per eccellenza di castità, innocenza e purezza, è naturale capire la scelta dell’artista: per “sentire di più” si intende riuscire a capire in un modo più intenso, con una concentrazione maggiore. Questa sensibilità è tipica, secondo i racconti leggendari medievali, degli unicorni, i quali possono essere calmati soltanto da una vergine, ovvero quel tipo di donna non sopraffatta da urgenze domestiche per via dell’assenza di un uomo, una mancanza che si traduce in concentrazione, dunque in un contatto maggiore fra essere umano e mondo circostante.

Attraverso le estensioni del corpo l’artista analizza e ripristina l’equilibrio esistente fra il corpo e lo spazio, i sensi vengono coinvolti e aiutano l’essere umano nell’indagine dello spazio circostante.

 

Quel tizio dei social: Pawel Kuczynski

Pawel Kuczynski è un nome che potrebbe non dire niente a molti, ma la sua arte la conosciamo più o meno tutti. Ebbene si, vi basterà dare un’occhiata alle sue opere per dire: “ah ma quindi l’ha fatta lui?”. Stiamo parlando infatti dell’autore di quelle geniali illustrazioni che dileggiano la società contemporanea e che troviamo spesso condivise viralmente sui social. Il successo delle sue opere è dovuto all’immediatezza del messaggio contenuto, una capacità unica di raccontare i paradossali meccanismi che animano i nostri tempi. Lo fa attraverso accostamenti di figure e situazioni appartenenti a sfere diverse ma pur sempre collegate da un sottilissimo filo logico.

Il suo stile a primo impatto rimanda subito alla pittura metafisica e al surrealismo ma di fatto di metafisico e surrealista non ha nulla. Ciò che lo avvicina a queste due avanguardie sono soprattutto le ambientazioni oniriche delle scene, le quali portano lo spettatore in una dimensione visionaria. Non c’è però niente di enigmatico e non c’è nessun elemento di no sense nelle sue composizioni, tutto ha senso. Non è un’indagine del subconscio ma è proprio il contrario.

Il subconscio è soltanto simulato, Kuczynski sembra voglia dirci che anche se ci sembrano incredibili quelle cose non le stiamo sognando ma vivendo tutti i giorni. Il linguaggio del sogno è utilizzato un po’ come quando imitiamo uno straniero che parla la nostra lingua, cioè le parole sono sempre le nostre ma le pronunciamo nel modo di altri. In questo caso si parla la “lingua della realtà” utilizzando la “pronuncia” del sogno, ovvero si disegna come se fosse un sogno ciò che invece accade tutti i giorni mentre siamo svegli e intenti a trascorrere il nostro tempo. Ma la vera genialità di Pawel Kuczynski sta nei contenuti più che nella forma. Ogni illustrazione è un capolavoro di metafore alle quali non c’è mai niente da aggiungere, gli bastano poche figure per svelarci i meccanismi della nostra società. Si potrebbe dire che sia un poeta prima ancora che pittore, o come si usa dire nella musica “un paroliere”.

La sensualità femminile di Tom Wesselmann

Un consumismo che parla attraverso la sensualità, le donne e il corpo. È Tom Wesselmann, classe 1931, uno dei pilastri storici della Pop Art, che a partire dagli anni Sessanta diventa famoso per i suoi Great American Nudes.

Sono gli anni del rapporto Kinsey e della rivista Playboy, della sessualità sfacciata del mondo americano e del corpo della donna come oggetto di desiderio maschile, tutti argomenti che prima non erano altro che un tabù. Ed ecco che ora nel palco dell’arte contemporanea americana fioriscono i nudi di Wesselmann, concepiti come opere dall’estrema attualità.

Nel 1957 venne liberato dalla censura il romanzo Lolita di Nabokov, che racconta la storia delle prime esperienze amorose della protagonista tredicenne con un uomo molto più maturo, e i nudi richiamano tantissimo i temi del romanzo.

Dalla pittura al collage, Wesselmen propone principalmente figure femminili ridotte ai minimi termini, di cui accentua l’aspetto erotico. Donne sdraiate, sedute, seducenti, rilassate, che si esprimono solo tramite un mezzo: il corpo. Sempre donne, sempre nude. Non ti guardano perché non hanno occhi, o, se li hanno sono super truccati. Parlano attraverso le curve, i seni prosperosi e le labbra carnose. Sdraiate in ambienti comuni come camere da letto, le troviamo sempre vicino a telefoni, radio televisioni accese, frigoriferi, porte e finestre, asciugamani, ritratti appesi. Successivamente escono di scena i corpi nudi femminili per dare spazio alle labbra. Le labbra diventano un contrassegno dell’artista, semiaperte, in procinto di fumare una sigaretta, ma sempre e comunque laccate di Chanel.

Un richiamo a Matisse? Forse. È chiaramente visibile la vicinanza alle figure dai colori accesi della Danza o La gioia di vivere, che infatti insieme a de Kooning sono i principali riferimenti per l’artista che infatti afferma «mi diedero il contenuto e la motivazione. Il mio lavoro si sviluppò da ciò».

Ovviamente siamo in un ambiente completamente diverso dal lirismo francese di Matisse e dall’armonia sensuale e calma dei suoi nudi. Le donne di Wesselmann sono marchiate da questa chiave di lettura superattuale del consumismo, quasi imbruttite da quell’attualità, quel panorama sociale che ha investito l’arte americana degli anni Cinquanta e Sessanta.

 

Ma una cosa è certa, un po’ come ha fatto Wharol, Wessekmann ha saputo porre un timbro così personale e riconoscitivo da trasformare le sue tele in icone.