Ali Hassoun. Crossover

Studio Guastalla presenta con Crossover, circa trenta opere recenti di Ali Hassoun, coloratissime tele e acquerelli in cui l’artista italo-libanese approfondisce la ricerca che da ormai vent’anni conduce sul tema del nomadismo, della contaminazione, delle identità multiple, della compresenza e simultaneità di mondi diversi in una stessa realtà.

Le diverse anime che si intrecciano in Hassoun, nato a Sidone e approdato vent’anni fa a Milano dopo gli studi e una lunga permanenza in Toscana, tra Firenze e Siena, affascinato dall’Africa dove abitano alcuni dei suoi familiari, si rifrangono e ricompongono nei suoi quadri come in un gioco di specchi, di rimandi. Hassoun attraversa continuamente una frontiera nei suoi dipinti: le sue donne africane, le sue famiglie in fuga, i suoi funamboli si stagliano sullo sfondo di una galleria di dipinti che spaziano da Andy Warhol a Capogrossi, da Picasso a Michelangelo.

L’identità di Hassoun si plasma in un continuo spaesamento di tempo e di luogo, di personaggi che si riflettono e osservano e agiscono in mondi non loro, scavalcando i limiti temporali, mescolando e stratificando riferimenti visivi e culturali. Come ha sottolineato Martina Corgnati nel saggio critico di corredo al catalogo della mostra del 2010 al Palazzo Pubblico di Siena (Alla confluenza dei due mari), è attraversando la frontiera tra oriente e occidente, ritrovandosi come un pesce fuor d’acqua, che Ali Hassoun si è dovuto interrogare sulla sua identità, osservandola in controluce, come in filigrana, per capirne il nucleo, in cui si intrecciano e stratificano elementi diversi. E’ così che l’identità araba è potuta maturare, portando alla luce non gli elementi più scontati, ideologici, superficiali, ma la struttura profonda.

I dipinti di Hassoun sono come racconti per immagini che riprendono le forme narrative della letteratura araba: le storie che rimandano ad altre storie come in un gioco di scatole cinesi; la figura del viandante ( l’Alessandrino dei racconti Maqamat di Hamadani), che si travestiva per svelare solo alla fine i suoi stratagemmi narrativi, fingendo di accompagnarsi a poeti in realtà vissuti in epoche passate. Nei dipinti di Hassoun la sua fantasmagorica galleria di immagini tratte dall’arte occidentale si intreccia alle figure di donne africane contemporanee o ai personaggi in continua migrazione che ci introducono, proprio come il viandante dei racconti, in un mondo sfaccettato e polimorfo.

Nelle opere più recenti icone travestite da altre icone svelano significati nascosti attraverso sottili ironie, come Van Gogh con il basco di Che Guevara, o una moderna Giuditta con il volto di Amy Whinehouse che taglia la testa di un Oloferne-Cattelan. L’effetto pop di questi intrecci e mescolanze è quello che tutti noi abbiamo sotto gli occhi in qualunque parte di mondo ci veniamo a trovare: insegne di catene di fast-food accanto a monumenti del Rinascimento, pannelli luminosi che si accendono all’improvviso alle porte di città remote e polverose in estremo oriente, folle disordinate che si accalcano, forse alle frontiere che cercano di attraversare, ma forse per partecipare a un evento culturale iperpubblicizzato, finte città italiane ricreate senza crepe nel deserto americano o primitivi che in realtà sono vip trasportati su isole da reality. Nelle ultime opere Hassoun sembra alludere, con un sorriso, a questi continui spaesamenti.

Hassoun, Da Tano da Michelangelo, Fonte arte.it

Dal 09 Febbraio 2017 al 25 Marzo 2017

Milano

Luogo: Studio Guastalla

Telefono per informazioni: +39 02 780918

E-Mail info: info@guastalla.com

Sito ufficiale: http://www.guastalla.com

Mauro Balletti. Ri.Tratto

L’Associazione culturale Obiettivo Camera e Spazio Kryptos presentano Mauro Balletti, con una selezione di ritratti, con avvincenti debiti di riconoscenza con la storia dell’arte in forma pittorica.

Conosciuto soprattutto per il binomio privilegiato e unico con la cantante Mina, Mauro Balletti costruisce istanti fotografici con sapiente combinazione di luce, attimo, palpito, battere di ciglia.

Eccellente fotografo, magistrale interprete del ritratto, Mauro Balletti ha edificato la propria professionalità visiva su solide basi pittoriche, in eredità dal padre. Così che, oltre i riconoscimenti che ha ottenuto proprio con il disegno, dal tratto personale e di sintesi più che esemplare, in fotografia ha saputo declinare ammirevoli costruzioni, in chiave di moda, piuttosto che di ritratto puro e diretto.

In questo suo agire con personalità e temperamento, Mauro Balletti ha applicato una delle nozioni fondamentali della fotografia, per propria natura rappresentativa, per proprio mandato raffigurativa: quella di rendere permanente l’istante che avrebbe dovuto rimanere temporaneo. Certo la sua fotografia è lontana ed estranea a quell’osservazione della vita nel proprio svolgersi, che caratterizza altri indirizzi, altre intenzioni. Però, nelle sue realizzazioni in sala di posa si manifesta sempre e comunque quella sintesi dell’istante che ha sensazionali debiti di riconoscenza, prima di tutto, con la storia dell’arte in forma pittorica, a partire dalle tavole di Caravaggio.

L’accostamento non è casuale, né forzato, seppure impegnativo, soprattutto per lui. Infatti, l’istante fotografico di Mauro Balletti è costruito con sapiente combinazione di luce, e la fotografia è luce, e attimo, palpito, batter di ciglia. Per quanto la posa abbia anche modo di trarre in inganno, non ci si deve mai far scavalcare dall’apparenza, per rimanere alla sostanza di queste composizioni e inquadrature: un attimo prima dello scatto, come pure un attimo dopo, tutto è cambiato e la magia dell’istante si è disciolta.

Questa è una delle missioni della fotografia, alla quale Mauro Balletti risponde con ammirevole maestria: da una parte, svela l’intima individualità del proprio soggetto; dall’altra, rivela anche l’animo dell’autore.

 

Mauro Balletti, Gemelli Rossi, 2008, Fonte arte.it

 

Fino al 16 Febbraio 2017

Milano

Luogo: Spazio Kryptos

Telefono per informazioni: +39 02 91705085

E-Mail info: spazio@kryptosmateria.it

Sito ufficiale: http://www.kryptosmateria.it

Manuel Felisi. Tempo immobile

Dal 17 febbraio al 25 marzo 2017, Fabbrica Eos di Milano (p.le Baiamonti 2) ospita la personale di Manuel Felisi (Milano, 1976) dal titolo Tempo immobile.

L’esposizione, curata da Alberto Mattia Martini, presenta tre installazioni che indagano la tematica della memoria, quella personale e intima dell’artista e quella collettiva.

Quello di Felisi, afferma Alberto Maria Martini, è «un tempo quasi metafisico, solo apparentemente statico, ma in continuo divenire, che parte dal passato, dal ricordo, per poi modificarsi e quindi evolversi nel presente».

Per attuare questa reminiscenza, Felisi ha spesso fatto uso dell’acqua facendola scendere in forma di pioggia su oggetti per modificarne l’identità. Proprio l’acqua sarà la protagonista della prima installazione Una sola presentata alla Fabbrica Eos, composta da una sola goccia che cade dal soffitto della galleria il cui suono sarà amplificato da un microfono e diffuso per tutto l’ambiente.

La seconda opera Tana consiste in un ambiente appositamente costruito per l’occasione, al quale si accede attraverso l’anta di un vecchio armadio. Al suo interno si trova una serie di abiti appesi che immediatamente richiamano al passato, alla storia particolare di chi ha indossato quegli indumenti, ovvero alla memoria collettiva che scaturisce dalla visione di questi vestiti e dalla percezione dell’assenza dei corpi che li hanno portati.
 
La terza installazione Tempo immobile propone un congelatore dalle pareti in vetro, al cui interno trovano posto vecchi abiti appartenuti a Felisi stesso, che verranno eternati dal ghiaccio stesso. Con questo, l’artista si propone di bloccare il tempo, facendo in modo che i ricordi associati a essi non svaniscano ma rimangano fissati per sempre.

Manuel Felisi, Tempo immobile, 2016, Fonte arte.it

Dal 16 Febbraio 2017 al 25 Marzo 2017

Milano

Luogo: Fabbrica Eos

Curatori: Alberto Mattia Martini

Costo del biglietto: ingresso gratuito

Inaugurazione: giovedì 16 febbraio 2017 ore 18.30

Collezione D’arte Contemporanea

L’esposizione della collezione d’Arte Contemporanea apre le porte al pubblico nella Galleria Comunale d’Arte. Un’opportunità da non perdere, per calarsi nel panorama artistico degli anni Sessanta e Settanta con la collezione d’Arte di Ugo Ugo, che ritorna in Galleria a partire dal gennaio 2017.

La raccolta è tra le più interessanti del panorama artistico, con opere acquistate direttamente dal Comune. Databili tra il 1963 e il 1974, anni durante i quali molti artisti, riflettevano sulle opere, il senso del proprio ruolo, all’interno della società, e sul ruolo che esercitavano sul pubblico.

L’importanza della figura ancora troppo trascurata e tesa a mettere in auge la collezione mutilata e distrutta, all’interno della società, una giusta collocazione, non estranea al credo culturale locale.

Un’arista come Ugo Ugo, che ha saputo cogliere gli artisti più rappresentativi dell’arte italiana.

La collezione è concepita come un organismo vivente da suscitare un coinvolgimento sia fisico, sia mentale nello spettatore grazie al gioco di luce e colore.

La selezione della collezione della Galleria Comunale d’Arte, è dedicata sia all’arte concettuale, sia all’arte povera. Attraverso un intenso impatto emotivo, s’instaura un dialogo con le opere esaltate dalla luce e dal colore, ove l’importanza della figura torna a essere protagonista di stessa.

La realtà quotidiana, le cose comuni diventano protagoniste del loro lavoro, attraverso un semplice inserimento dell’oggetto sia figurativo sia astratto.

Ugo Ugo nella sua consapevolezza ha saputo cogliere gli artisti più rappresentativi del mondo artistico italiano. La mostra è concepita come un organismo vivente da suscitare un coinvolgimento sia fisico e mentale nello spettatore. L’oggettività della realtà viene esaltata dalle opere pittoriche e l’atto stesso del dipingere, considerato come una reazione ormai superata, dà maggiore rilievo all’azione dell’artista.

Nasce così un movimento dinamico e reale e non virtuale nell’opera, causata da una continua variazione del punto di osservazione.

 

Fonte vivereacagliari.com

 

 

Cagliari

Galleria comunale

Esposizione visitabile da gennaio fino a marzo 2017

Dal lunedì alla domenica dalle 10 alle 18.

Chiuso il martedì

Berenice Abbott. Topografie

Il Museo MAN è lieto di annunciare l’imminente apertura della prima mostra antologica in Italia dedicata a Berenice Abbott (USA, 1917-1991), una delle più originali e controverse protagoniste della storia fotografica del Novecento.

Terza di un grande ciclo dedicato alla Street Photography, la mostra al MAN di Nuoro, a cura di Anne Morin, presenta, per la prima volta in Italia, una selezione di ottantadue stampe originali realizzate tra la metà degli anni Venti e i primi anni Sessanta. Suddiviso in tre macrosezioni – Ritratti, New York e Fotografie scientifiche – il percorso espositivo fornisce un quadro generale del grande talento e della variegata attività di Berenice Abbott.

Nata a Springfield, in Ohio, nel 1898, Berenice Abbott si trasferisce a New York nel 1918 per studiare scultura. Qui entra in contatto con Marcel Duchamp e con Man Ray, esponenti di punta del movimento dada. Con Man Rayin particolare, stringe un rapporto di amicizia che la spingerà a seguirlo a Parigi e a lavorare come sua assistente tra il 1923 e il 1926. Sono di questo periodo i primi ritratti fotografici dedicati ai maggiori protagonisti dell’avanguardia artistica e letteraria europea, da Jean Cocteau, a James Joice, da Max Ernst ad André Gide. Ritratti che – secondo molti interpreti – costituiscono il canale espressivo attraverso il quale Berenice Abbott – lesbica dichiarata, in un’epoca ancora lontana dall’accettare l’omosessualità femminile – racconta la propria dimensione sessuale.

Allontanatasi dallo studio si Man Ray per aprire il proprio laboratorio di fotografia – frequentato da un circolo di intellettuali e artiste lesbiche – già nel 1926 Abbott espone i propri ritratti nella galleria Le Sacre du Printemps. È in questo momento che entra in contatto con il fotografo francese Eugène Atget, conosciuto per le sue immagini delle strade di Parigi, volte a catturare la scomparsa della città storica e le mutazioni nel paesaggio urbano.

Per Abbott è un punto di svolta. La fotografa decide di abbandonare la ricerca portata avanti fino a quel momento e di fare propria la poetica del negletto Atget – del quale, alla morte, acquisterà gran parte dell’archivio, facendolo conoscere in Europa e negli Stati Uniti – dedicandosi, da quel momento in poi, al racconto della metropoli di New York.

La mostra al Museo MAN, realizzata grazie al contributo della Regione Sardegna e della Fondazione di Sardegna, racconta le tre principali fasi della produzione fotografica di Berenice Abbott attraverso una ricca selezione di scatti, tra i più celebri della sua produzione, e materiale documentario proveniente dal suo archivio.

Berenice Abbott, Dorothy Whitney, 1926, Fonte arte.it

Dal 17 Febbraio 2017 al 31 Maggio 2017

Nuoro

Luogo: Museo MAN

Costo del biglietto: intero € 5, ridotto € 3 (dai 18 ai 25 anni), gratuito under 18

Telefono per informazioni: +39.0784.252110

E-Mail info: info@museoman.it

Sito ufficiale: http://www.museoman.it

Inaugurazione Venerdì 17 febbraio ore 19

Andrea Pinchi. Tutto si concede a chi porta luce

La Galleria Honos Art di Roma presenta, fino al 25 marzo 2017, Tutto si concede a chi porta luce, mostra personale di Andrea Pinchi, a cura di Gianluca Marziani.

L’artista umbro presenta una sequenza di opere recenti dai formati variabili, create tra i silenzi ascetici ed ascensioni barocche del suo studio romano, a pochi passi dalla galleria. Intuizioni che vengono narrate attraverso pelli, carte, fogli di stagno, timbri e cartoni antichi e carte carbone fuori produzione.  Geometrie rigorose, colori netti e contrastanti sono capaci di racchiudere temi morali e dilemmi filosofici con un risultato strabiliante, un valore assoluto che intreccia pazienza e conoscenza, uomo e talento, memoria e futuro.

L’uso di materiali consunti, metabolizzati dal tempo archeologico, è cucito seguendo  geometrie, colori e materiali secondo una planimetria cosmogonica e misteriosa che si confronta con la le passioni, gli incontri e le empatie dell’artista.

Seguendo l’indole narrativa di un linguaggio segnico, silenzioso per natura ma connesso al rito filosofico, dietro la forma si avverte il battito ideale di un cuore iconografico. Non accade spesso che l’opera emani l’aura del battito, perché occorre una fluidità narrativa che possa legare il singolo materiale a una progenie di contenuti aperti. Ebbene, di nuovo senza alcuna casualità, ecco il cuore ideale trasformarsi in un cuore stilizzato con le sembianze dello scudo: pura geometria aulica che Pinchi ha elaborato nelle ultime opere, quelle in cui l’aura del colore si trasforma in purissima energia, un riverbero dal sentore astrofisico e dalla presenza metaforica. I cuori aggiunti sembrano ali immobili ma accese, già in volo nel loro atto figurativo: si librano sul bianco e ribadiscono il codice sorgente di Pinchi, il suo generatore metafisico, la fluttuazione cosmica, l’esercizio vivo del dialogo.

A. Pinchi, Tutto si concede a chi porta luce, 2017, Fonte arte.it

Fino al 25 Marzo 2017

Roma

Luogo: Galleria Honos Art

Telefono per informazioni: +39 06 31058440

E-Mail info: info@honosart.com

Sito ufficiale: http://www.honosart.com/

Boccioni+100. Modernolatria

Venerdì 3 febbraio, alle ore 17.00, presso la Galleria Nazionale di Cosenza – Palazzo Arnone, si terrà l’inaugurazione della mostra Modernolatria, a cura di Melissa Acquesta, Gemma-Anaïs Principe e Valentina Tebala e con il coordinamento scientifico di Angela Acordon, direttore del Polo Museale della Calabria e Nella Mari, direttore della Galleria Nazionale di Cosenza.

Promossa dal Polo Museale della Calabria e dal Comune di Cosenza e dedicata, in occasione del centenario della sua morte, all’opera di Umberto Boccioni, la mostra cosentina vuole indagare il grande maestro futurista quale catalizzatore per stimoli e propulsioni estetiche contemporanee, e lo fa a partire dal suo stesso neologismo “modernolatria”, ovvero «adorazione del moderno».

Una chiara sintesi espressiva del culto futurista per il progresso tecnologico ed artistico, dove l’arte è intesa come strumento di ricerca verso la realtà circostante e il proprio tempo.

L’omaggio, che il Polo Museale della Calabria e il Comune di Cosenza vogliono dedicare a Boccioni, non ha connotazione commemorativa, né tanto meno vuole essere una retrospettiva sull’artista quanto piuttosto un focus su quanto è accaduto e accade +100 anni dopo.

Il tributo si estende in un discorso di continuità e suggestioni dinamiche che partono dall’artista reggino e si sviluppano in una mostra collettiva che include artisti nelle cui ricerche si ravvisano attitudini stilistiche e/o teoriche che testimoniano in qualche modo un’affinità, se non una spiccata eredità, con gli assunti e le problematiche boccioniane.

La mostra intende quindi esplorare i possibili sviluppi degli approcci e linguaggi dell’artista tradotti oggi, secondo una scelta curatoriale mirata a istituire connessioni e analogie o cortocircuiti talvolta interiori ed interpretativi, espliciti, finanche ironici, fra un grande artista storicizzato e gli artisti contemporanei esposti.

Modernolatria, allestita nella prestigiosa sede della Galleria Nazionale di Cosenza, che dell’artista ospita già una straordinaria collezione grafica, insieme al prestigioso pastello Gisella della Collezione Banca CARIME e alla scultura Forme uniche della continuità dello spazio proveniente dalla collezione Bilotti-Ruggi d’Aragona, è parte integrante del progetto BOCCIONI+100 che prevede anche la contaminazione scenografica e culturale di altri luoghi di interesse cittadino, in particolare il Castello Normanno Svevo, il Museo dei Brettii e degli Enotri e l’area di sperimentazione artistica dei BOCS Art, che accoglierà la sezione Boccioni in the BoCS.

Boccioni in the BoCS si compone di due interventi differenti ma legati fra loro e con le sedi espositive del territorio cosentino: il primo, statico, prevede una installazione site specific, già fruibile, che trasforma il modulo abitativo dei BoCS art in struttura allestitiva destinata ad ospitare un omaggio grafico dedicato all’opera di Umberto Boccioni; il secondo, dinamico, rivisita l’esperienza di residenza per gli artisti di Modernolatria in una forma di permanenza. Gli artisti coinvolti allestiranno i BOCS Art dell’Area 3, trasformandoli in veri e propri atelier dove sarà possibile conoscere il loro lavoro attraverso la forma dello studio-visit, in particolare meditare sulla genesi degli interventi di confronto/scontro con la poetica boccioniana.

 

Boccioni+100 Modernolatria+Boccioni in the BoCS 03.02.2017

 

BOCCIONI+100

Modernolatria

3 – 19 febbraio 2017

Galleria Nazionale di Cosenza – Palazzo Arnone

Via G. V. Gravina – Cosenza

Inaugurazione 3 febbraio 2017 – ore 17.00

Orari da martedì a domenica, ore 10.00 – 18.00

Ultimo ingresso ore 17.00 – Ingresso Gratuito

 

Boccioni in the BoCS

Area 3 Residenza artistica BoCS Art

Lungofiume Crati, via Dante Alighieri – Cosenza

3 febbraio 2017 – ore 19.00

Anna Capolupo. Il bello di ciò che non ricordiamo

A partire da venerdì 27 gennaio 2017, lo spazio espositivo Miroarchitetti, sito in Via Sant’Apollonia 25, a Bologna, ospita la mostra Il bello di ciò che non ricordiamo, personale dell’artista Anna Capolupo.

Per la prima volta, l’artista presenta, una a fianco dell’altra, le due ricerche portate avanti parallelamente negli ultimi due anni: quella pittorica, incentrata sul paesaggio urbano, e quella di Fiber Art, tesa alla ricostruzione di un oggetto intimo della memoria.

La mostra rientra in SetUp+, il percorso in città di Set up Contemporary Art Fair ed è organizzata da Burning Giraffe Art Gallery.

bugartgallery.com

Anna Capolupo. Il bello di ciò che non ricordiamo
Fino a venerdì 24 febbraio 2017
orari di apertura:
dal 30 gennaio al 24 febbraio, su appuntamento
Luogo: MiroArchitetti – Via Sant’Apollonia 25, Bologna,
www.miroarchitetti.cominfo@miroarchitetti.com
Info: Burning Giraffe Art Gallery
www.bugartgallery.cominfo@bugartgallery.com
tel. 011 5832745 – mob. 347 7975704

Francesca Leone. Giardino

Diciotto grate di alluminio a comporre un’unica installazione, con lo spettatore che interagisce con l’opera camminando su una grande piattaforma. Si chiama Giardino la mostra personale di Francesca Leone che, dopo il successo ottenuto l’anno scorso alla Triennale di Milano, arriva a Roma negli spazi del Museo MACRO dal 3 febbraio al 26 marzo 2017 ed è promossa da Roma Capitale, Assessorato alla Crescita culturale – Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali.

L’installazione è stata realizzata con il contributo inconsapevole di centinaia di persone che hanno sparso per le strade rifiuti e oggetti. Dalle fessure delle grate emergono le testimonianze del loro passaggio: mozziconi di sigarette, plastiche, sassi, carta, chiavi, rifiuti e monete sono il racconto di storie quotidiane e di un tempo fermato.

Il lavoro dell’artista romana, tra realtà e denuncia con un’attenzione profonda ai temi dell’ambiente e dell’ecosistema, rispetto all’installazione milanese, si arricchisce di tre grandi opere in cemento frutto del lavoro di approfondimento e ricerca che la Leone ha continuato a fare dopo la mostra alla Triennale. Inoltre, a rendere ancora più unico il progetto, è la scelta dell’artista di fare un libro-opera, edito in 150 copie firmate e numerate, con testo di  Danilo Eccher: un’opera nell’opera in cui una piccola grata diventa uno scrigno.

Giardino è una mostra complessa che sfrutta la ruvidità di un linguaggio essenziale, crudo, violento, per esprimere una poesia della quotidianità; una mostra che realizza un allestimento minimale, capace di utilizzare la scenografia asettica delle sale museali per comporre una recita di assoluto realismo.

Francesca Leone, dettaglio Grata, Fonte arte.it

Inaugurazione: giovedì 2 febbraio 2017 ore 18

Dal 02 Febbraio 2017 al 26 Marzo 2017

Roma

Luogo: MACRO – Museo di Arte Contemporanea Roma

Enti promotori:

  • Roma Capitale
  • Assessorato alla Crescita culturale – Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali

Costo del biglietto: intero € 11, ridotto € 9, residenti € 10 / € 8

Telefono per informazioni: +39 060608

Sito ufficiale: http://www.museomacro.org/

Le metamorfosi dell’essere: Greenhouse di Gianfranco Baruchello a Milano

Per la prima volta nella sede del Palazzo Belgioioso di Milano, Massimo De Carlo ospita, nell’omonima galleria, Greenhouse esposizione personale di Gianfranco Baruchello. La mostra è un grande excursus storico–artistico che ripercorre la lunga e intensa vita dell’artista presentando una ricca serie di opere realizzate tra il 1960 e il 2016. La ricerca di Baruchello affonda le sue radici nell’intimo rapporto con il grande artista francese Duchamp; il suo percorso artistico è arricchito poi dall’esperienza dell’espressionismo astratto newyorkese e dal fervido scambio d’idee con alcuni dei più grandi filosofi e critici del secolo, tra cui Jean-François Lyotard e Félix Guattari, protagonisti di una serie di film e interviste pensate e progettate dallo stesso Barruchello.

La mostra rinnova completamente lo spazio espositivo, anticipando e permettendo un’immersione totale nella specificità artistica ‘baruchelliana’. La scultura, quasi minimalista, centrale di Greenhouse enfatizza ed esemplifica la comprensione dello spazio, sia fisico che psicologico, inteso come un linguaggio universale incastrato nella continua relazione tra uomo, ambiente e spazio urbano in costante dinamismo e mutamento. Attraverso il sottile e fragile sistema proposto da Baruchello si creano gesti, metamorfosi e verità uniche che hanno sempre un punto di unione con l’uomo e il suo rapporto con i meccanismi della mente attraverso gli elementi più puri che compongo l’intero universo tra i quali la natura. La natura è, infatti, per l’artista uno spazio aperto che va ricodificato attraverso miniature su grandi tele, riduzioni su grande scala e sculture minimali o che occupano una parte di una stanza con l’intento unico di racchiudere tutta la natura possibile al suo interno.

I micro sistemi di Baruchello sono, infatti, una delle tante esperienze prodotte dall’artista nella sua lunga carriera; a questi si affiancano produzioni di libri, film e grandi tele, dittici o trittici attraverso cui l’artista esemplifica, nella codificazione linguistica a lui più cara, aspetti della storia dagli anni Settanta ad oggi: le lotte femministe o la guerra in Vietman. Attraverso queste rappresentazioni, ripercorse tramite l’atto artistico, Baruchello cerca di decifrare la stratificazione dell’informazione di quegli anni trasformando in gesti e piccole miniature, il tentativo di ribellione nei confronti di un sistema ancora troppo marginale e chiuso.

Greenhouse è sicuramente uno degli appuntamenti imprescindibili per gli appassionati di arte che merita non soltanto una visita, ma un’esperienza extrasensoriale tout court che presuppone un’immersione totale nel mondo d’altri tempi (seppur sempre attuali) dell’artista più grande di sempre: Gianfranco Baruchello.

Gianfranco Baruchello, Greenhouse, installation views (www.massimodecarlo.com) Gianfranco Baruchello, Greenhouse exhibition view(www.massimodecarlo.com) Gianfranco Baruchello, Greenhouse, 1977(www.artribune.com). Gianfranco Baruchello, Greenhouse, exhibition view(www.massimodecarlo.com) Gianfranco Baruchello, Greenhouse, exhibiton view(www.massimodecarlo.com)

Greenhouse

Massimo De Carlo, Milano

Piazza Belgioioso 2

20121 Milano, Italia

26/ 01/ 2017 – 18/ 03/ 2017

Orario: dal martedì al sabato dalle ore 11.00 alle ore 19.00

Tel: +39 0270003987