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L’Atteso: sospensione ed enigma nella nuova installazione di Mike Nelson

Un’atmosfera di sospensione ed enigma avvolge dall’1 novembre scorso il Binario 1 delle OGR – Officine Grandi Riparazioni di Torino. Il merito di questa trasformazione è dell’imponente intervento installativo L’Atteso, realizzato dall’artista britannico Mike Nelson e a cura di Samuele Piazza. Fino al 3 febbraio sarà possibile entrare in questa sorta di gioco di ruolo, in cui diverse memorie e indizi stratificati creano una narrazione aperta a molteplici letture. Come in tutte le opere di Nelson, infatti, in L’Atteso ogni chiave di lettura predefinita è volutamente evitata e ogni comprensione definitiva negata. Lo spettatore è lasciato libero di creare il suo personale percorso e formare una propria individuale comprensione del luogo.

La navata del Binario 1 è convertita dall’artista in una sorta di parcheggio fantasma, in cui una ventina di veicoli ricoperti di polvere sono abbandonati accesi su un cumulo di macerie. Entrando nell’installazione lo scenario che il pubblico si trova di fronte è buio e cupo, illuminato solo dai fari delle misteriose auto parcheggiate, all’interno delle quali sono disseminati indizi – tracce di una vita ormai assente – come indumenti, mozziconi di sigarette, avanzi di cibo, musica alla radio, e così via. Sembra così di trovarsi in un film, o su una scena del crimine, di cui lo spettatore deve ricostruire le vicende. O meglio ancora si ha l’impressione di trovarsi all’interno di uno scenario post-apocalittico, con i visitatori che come tanti zombie si aggirano lentamente e in silenzio tra i resti di una vita che si può solo immaginare e che ora non c’è più.

Lo spazio inerte delle OGR, grazie al sorprendente intervento dell’artista, si è trasformato così in un limbo, in uno spazio altro, caratterizzato da una compresenza di temporalità diverse: in cui cioè un passato misterioso e una dimensione quasi archeologica, insieme all’immagine di un incombente futuro prossimo, si uniscono in un presente ambiguo e distopico. É uno spazio in cui in realtà non accade assolutamente nulla, eppure incredibilmente forte è l’impatto emotivo per chi ne varca la soglia.

Lo spazio in cui l’installazione si inserisce, inoltre – le OGR-Officine Grandi Riparazioni, reduci dalla fortunatissima prima edizione di Artissima Sound (che si è svolta dal 1 al 4 novembre scorsi) – è già di per se meritevole della visita. Storica fabbrica in cui si riparavano treni, è uno dei più importanti esempi di architettura industriale dell’Ottocento a Torino, recentemente trasformato in un nuovo cuore pulsante della creatività, della cultura e dello spettacolo.

 

 

MIKE NELSON – L’ATTESO

Fino al 3 febbraio 2019

OGR – Officine Grandi Riparazioni

Corso Castelfidardo, 22

Torino

http://www.ogrtorino.it/events/mike-nelson

 

Le installazioni “impossibili” di Paola Pivi, tra utopia e assurdo

Nella visione utopica dell’arte, l’assurdo si unisce spesso a un sentimento ancestrale di visioni che inducono il dubbio della percezione del reale. Paola Pivi, classe ‘71, ha definito questa concezione di valore artistico attraverso una produzione fatta da mezzi differenti, stimolata da un’urgente riflessione sul rapporto tra l’uomo e la natura circostante.

Animali in mezzo al mare, orsi dai colori sgargianti, gigantesche scale multi cromatiche, scatti fotografici privi di un ritocco digitale, accompagnano l’itinerante produzione artistica e visiva dell’artista che con il suo spirito nomade ha ridefinito il concetto di “impossibile”.

Quelle realizzate da Pivi sono installazioni che mirano a un’improbabilità di successo, una sfida che attraversa trasversalmente tutta la sua produzione e che è il motore portante di un intento che mira a ridefinire l’oggetto, astraendolo, mutandolo e dandogli nuovi significati. Le opere, che virano verso una linea duchampiana, sembrano assumere i connotati d’immagini mentali e visioni fantastiche, precedute da una componente puramente ludica. L’uso della performance permette all’artista di interagire, manipolare e giocare attivamente con la realtà. Spesso la performance sconfina nel video, annullando qualsiasi tipo di suddivisione pratica e spiazzando il fruitore che si ritrova così senza alcuna certezza e si domanda dove sia il confine tra ciò che è reale e ciò che non lo è.

Paola Pivi riflette su tematiche politiche e ambientali attraverso l’ironia, il non-sense e l’assurdo. Le sue costruzioni si caratterizzano anche per dimensioni molto grandi che permettono ai suoi personaggi di interagire con lo spazio circostante e, contemporaneamente, ridefinirne lo status statico e primordiale a favore di una visione nuova e ribelle. L’artista rivisita e giustappone elementi allo stesso tempo familiari e archetipi in un mondo iconografico utopico. Questi elementi si rivelano attraverso una luce onirica e surreale che permette al fruitore non solo di esserne spiazzato, ma anche di ritrovarsi di fronte ad aspetti del reale, parte della vita quotidiana, analizzati da un punto di vista lontano e vagabondo.

Paola Pivi crea immagini mentali che sotto forma di narrazione disorientano e, allo stesso tempo, invadono lo spazio e la relazione con il fruitore, attraverso un’aurea poetica e suggestiva. Grazie al suo lavoro, Pivi riporta l’attenzione su una dimensione ludica dell’arte che anche usufruendo di elementi visibilmente fantastici, ha la capacità di raccontare la potenza di un’interazione contingente che si fonda sull’idea che non esistono limiti formali, ma anzi l’impossibile, a volte, può diventare possibile.

 

 

L’invisibile che diventa percezione nelle installazioni ambientali di Shay Frisch

Campi elettromagnetici, adattatori composti e assemblati, corrente elettrica e infine la luce che illumina l’invisibile e lo rende improvvisamente percettibile. Queste le principali chiavi di lettura da tenere a mente quando si parla di Shay Frisch, artista e industrial designer, che ha fatto della riflessione tra arte e scienza il suo biglietto da visita. L’intervento al limite tra artistico e industriale che mette in atto Shay Frisch, racconta di un graduale spostamento della linea che separa il campo cognitivo da quello emotivo, alla ricerca di una nuova frontiera tra arte e scienza. Attraverso l’utilizzo perentorio di prese elettriche e collegamenti energetici, l’artista tenta di creare un fil rouge che anziché dividere i due campi, tenta di metterli sullo stesso piano, inglobandoli e, in definitiva, annientandoli.

Fulcro dell’azione non è la luce generata da questi assemblaggi puramente industriali e quasi home-made, ma l’energia che origina, trasforma, manipola e modella. La luce è dunque solo il prodotto che, da ultimo, fa da connettore e svela un prodotto di per sé invisibile, ossia, l’energia. Essa scorre ovunque ma si percepisce solo lì dove delle lampadine ne rivelano la “forma” effimera e intuitiva. I campi elettromagnetici rivelano dunque che l’invisibile prevale nettamente sul visibile, ed è quella forza, quella vitalità che permette di far coincidere emozione e conoscenza su pari livello, inducendo lo spettatore a fare esperienza diretta con qualcosa che va al di là del proprio raziocinio.

Shay Frisch, mette in pratica un dinamismo inatteso e imprevedibile che porta a osservare e a percepire gli ambienti in maniera differente ed esperienziale. In particolare, i campi messi in moto dall’artista modellano anche l’idea di superfice che qui assume i connotati di un continuum e annullano dunque ogni separazione tra oggetto e spazio. Tutto è trasformabile e tutto vive su uno stesso livello emozionale e visivo. Gli assemblaggi di Shay Frisch, lavorano anche sullo spazio – ambiente o meglio su quel contenitore che accoglie e, tante volte, tende a coccolare il pubblico predisponendo oggetti o manufatti di facile interpretazione. In questo caso, il fruitore è invitato ad attivare il senso intrinseco dell’opera generando esso stesso energia emotiva. Avvolgere lo spettatore e immergerlo attraverso proiezioni di luce intensa ha l’obiettivo unico di guardare alla forza e all’elemento dell’elettricità sotto un aspetto innovativo e inatteso. Le intermittenze luminose permettono allo spettatore di sentire e percepire il movimento che si cela dietro questi meccanismi di materia inerte.

Shay Frisch permette all’aspetto immateriale di rivelarsi e allo stesso tempo rende consapevoli del fatto che spesso per poter sentire e percepire l’energia, l’arte o la materia non è necessario vederla o toccarla.

 

Jeff Koons e la banalità del quotidiano

E’ tendenzialmente considerato l’erede di Andy Warhol e continuatore della Pop Art, è spesso associato a Marchel Duchamp per le reinterpretazioni della tecnica del ready-made: si tratta di Jeff Koons (21 gennaio 1955), artista statunitense, uno fra i più ricchi del mondo, icona dello stile neo-pop che utilizza una vasta gamma di materiali e tecniche, quali pigmenti, plastica, marmo, metalli e porcellana, per la creazione delle proprie opere d’arte.

Ispirata al consumismo e alla banalità della vita e della società contemporanea, l’arte di Koons mette a nudo l’attaccamento dell’uomo agli oggetti, gli stessi oggetti di cui si serve l’individuo tutti i giorni per soddisfare le proprie esigenze. Il vocabolario visivo utilizzato dall’artista per comunicare col pubblico è tratto dal mondo della pubblicità e dall’industria, un modo di rendere i fruitori delle mostre a proprio agio con le opere d’arte, a prescindere dal ceto sociale di appartenenza.

Già con le prime opere degli anni ’70 Koons presenta agli amanti dell’arte contemporanea delle composizioni costituite da giocattoli e fiori gonfiabili posizionate su superfici specchianti e nel 1979, con la serie The Pre-New, combina oggetti d’uso quotidiano a sfondi metallici o lampade al neon, creando composizioni da appendere al muro come se fossero dei quadri tradizionali. E’ ancora l’oggetto quotidiano il protagonista delle opere degli anni ’80, si pensi all’aspirapolvere della serie The New, uno strumento che non svolge più la sua funzione pratica e quotidiana, diventa un oggetto da ammirare e destinato a non essere più usato, non è più lo strumento amato dalle casalinghe per fare le pulizie, diviene un vero e proprio pezzo da museo suscitante reazioni diverse nel pubblico, creando approvazione o sgomento per aver inserito un oggetto banale nel tempio consacrato all’arte. Sono sempre gli oggetti di consumo ad essere presentati nella serie The Equilibrium (1985), dove uno o più palloni da basket fluttuano in teche di vetro in una soluzione di acqua distillata e cloruro di sodio come se fossero dei pesci in un acquario. “La sospensione dei palloni simbolizza uno stato di perfezione”: queste sono le parole di Jeff Koons in Retrospettivamente, attraverso le quali l’artista intende far riflettere circa il significato del concetto di equilibrio, infatti i palloni, anziché galleggiare, rimangono sospesi nel centro del liquido grazie alla perfetta equipollenza di forze.

Attraverso l’arte di Jeff Koons si assiste dunque alla celebrazione dell’oggetto quotidiano, l’oggetto viene manipolato e reso degno dell’ammirazione del pubblico, è l’atto dell’inserimento di quell’oggetto in una vetrina a trasformarlo in una sorta di reperto strappato dal sottosuolo e valorizzato in un museo. Ciò che generalmente è considerato un oggetto banale grazie a Koons viene elevato a opera d’arte. Il legame tra l’arte di Koons e la società dei consumi è innegabile, ma questa società viene criticata dall’artista attraverso le sue opere, tramite le quali è possibile sottolineare la banalità e superficialità di quella classe sociale che ha reso ricco e famoso l’artista.

The Dream Machine is Asleep

Pirelli Hangar Bicocca presenta The Dream Machine is Asleep fino al 22 luglio 2018, mostra personale di Eva Kot’átková, un percorso onirico e labirintico in cui vengono messe in scena dall’artista le fantasie individuali, le paure e le sfide della società contemporanea.

L’opera di Eva Kot’átková (1982) indaga le forze intrinseche ed estrinseche che influiscono sul comportamento umano, in particolare le norme e i sistemi educativi che possono determinare le caratteristiche di ogni individuo, influendo così sulla propria personalità.

In The Dream Machine is Asleep Kot’átková vengono presentate installazioni coinvolgenti, sculture, opere performative e collage, che vertono sulla concezione del corpo umano come macchina e organo che continua a svolgere le sue funzioni durante il sonno, creando mondi interiori, paralleli.

Considerando le esperienze personali dell’artista e del suo recente corpus di opere – come l’installazione video Stomach of the World (2017) – l’artista trasforma lo spazio espositivo in un organismo labirintico attraverso il quale esplorare pensieri privati, visioni intime e sogni, ma anche le paure e le sfide della società contemporanea.

Viene rievocata l’estetica Dada dell’Europa dell’Est e delle mostre surrealiste, nella mostra incluse performance, conversazioni e narrazioni orali tenute dai personaggi che la animano. Tra questi giocano un ruolo chiave bambini e ragazzi, che occuperanno uno spazio a loro dedicato, definito “Children office”, dove creeranno un archivio dei sogni.

 

 

Dal 14 Febbraio 2018 al 02 Luglio 2018

Milano

Luogo: Pirelli HangarBicocca

Curatori: Roberta Tenconi

Costo del biglietto: ingresso gratuito

Telefono per informazioni: +39 02 66 11 15 73

E-Mail info: info@hangarbicocca.org

Sito ufficiale: http://www.hangarbicocca.org

Le installazioni di Ugo Rondinone: quesiti universali della condizione umana

Secondo il pensiero esistenzialista, l’uomo vive in una repentina condizione di solitudine dettato dal suo carattere precario, irrazionale e vuoto. La natura, dal canto suo, può rispecchiare in brevi momenti i simboli della ricerca costante del sé, attraverso l’immediata percezione, l’individuo, tende a dare delle risposte a delle necessità primordiali e disparate. Il tentativo di conoscenza e riconoscimento è il concetto base della produzione artistica di Ugo Rondinone, artista di origine Svizzera che oggi vive e lavora a New York. Per Rondinone la condizione umana e la solitudine che essa comporta, sono il presupposto di una riflessione immediata e non ricercata. L’artista si concentra sull’uomo in continua evoluzione che, nel suo perenne movimento, è caratterizzato da una solitudine intrinseca che si manifesta nell’azione del quotidiano. Non a caso, in una delle sue installazioni più coinvolgenti, l’artista dispone nello spazio più di una ventina di clown dai colori sfavillanti, con gli occhi chiusi, ricurvi o in piedi pensierosi. Attraverso i suoi soggetti, Rondinone, mette in mostra le varie facce dell’esistenza. I clown, d’altro canto, rappresentano la metafora della solitudine, quella inadeguatezza individuale che rispecchia uomini e donne in atmosfere collettive.

Ugo Rondinone crea dei personaggi che, seppur inanimati, rispecchiano la quotidianità e l’intima disperazione dell’essere. La principale e necessaria tendenza della sua arte non è quella di indurre a pensare, ma bensì rendere visibile a tuti la brutale riflessione del chi siamo e perché siamo al mondo. Il pensiero è immediato e non indotto.

Le opere di Rondinone, sono però dettate anche da un costante dualismo e paradosso: dai colori sgargianti e vivaci dell’arcobaleno che disegnano i clown malinconici, alle posizioni statiche ma che allo stesso tempo inducono all’imperturbabile moto, azione perenne e dinamica, delle rocce che suggeriscono un movimento continuo tra l’artificiale e il naturale. Gli elementi creati dall’artista, sono definiti delle metafore statiche di passaggio, in perenne mutamento, un paradosso forte ma fulmineo. Ogni piccola azione suggerita dalle strutture ambigue e stratificate di Rondinone, sembra inglobata in una percezione temporale repentina. L’aura di un istantaneo fluire del tempo, induce alla necessità di fare esperienza e farla ora, tempestivamente. L’esigenza esistenzialista delle opere dell’artista svizzero è un appello immediato, una richiesta di una reazione, una risposta agli interrogativi della vita attraverso l’arte, con la sua capacità selettiva e immediata di porre un problema davanti all’umanità.

Ugo Rondinone è negli ultimi giorni, al centro della visione contemporanea, con la recente inaugurazione della retrospettiva sul suo lavoro dagli anni Novanta ad oggi al The Bass, museo di arte contemporanea di Miami Beach che ha deciso, con questa mostra, di celebrare lo stile e l’approccio profondo e paradossale dell’artista svizzero.

Naviganti: il “monumento all’immaginazione” di Davide Dormino

Semplici pezzi di ferro possono diventare dei remi, un muro scrostato diventare il fianco di una nave, il cielo trasformarsi in mare. Perché questo avvenga c’è bisogno solamente di una cosa: l’immaginazione. È proprio a questa splendida facoltà umana che l’artista e docente della Rome University of Fine Arts Davide Dormino erge un monumento con la sua ultima opera, Naviganti, installata lo scorso 2 dicembre a piazza Copernico a Roma. È l’immaginazione, infatti, ci mostra Dormino, spesso anche aiutata dall’arte, a permettere di capovolgere la realtà, di abbattere muri e spostare i confini mentali e fisici che spesso ci costringono.

L’installazione, realizzata nell’ambito della prima edizione di Creature, il festival della creatività romana, è composta solo da sette grandi remi di ferro appoggiati sul recinto di un ex spazio produttivo abbandonato e rivolti verso l’alto. Sette come le Pleiadi, la costellazione dei naviganti. Nonostante la sua dura essenzialità, però, l’opera presenta molteplici livelli di lettura. Come si diceva, con un po’ di fantasia la realtà si capovolge, e quel recinto si trasforma in una nave che solca un mare azzurro come il cielo di Roma. La dedica però è ai “naviganti”, che possono essere intesi in diversi modi. Un riferimento è sicuramente ai grandi geografi, cartografi e astronomi a cui sono intitolate le strade del quartiere Pigneto in cui è installata, ma i naviganti possono essere anche tutti coloro che viaggiano con la fantasia, che sono capaci di vedere con gli occhi di un bambino un cielo diventare mare. In questo periodo storico, però, viene spontaneo anche un altro tipo di lettura, che intravede un significato politico nell’intervento di Dormino. In un’opera che si propone di abbattere le barriere, spontaneo è infatti il pensiero verso i confini che ultimamente si stanno creando e irrigidendo sempre più nel mondo, e i naviganti a cui è dedicata diventano automaticamente coloro che ogni giorno si avventurano in mare cercando di superarli. L’opera allora non è più solo un esercizio d’immaginazione ma anche di riflessione, che ci ricorda, per usare delle metafore navali, di non restare ancorati ai pregiudizi e di evitare di creare barriere perché, in fondo, siamo tutti sulla stessa barca.

A proposito di migranti, l’opera stessa è pensata per migrare, resterà infatti solo qualche mese in piazza Copernico per poi salpare a inizio estate verso nuove destinazioni.

L’installazione è stata realizzata con il supporto del gruppo creativo SonoFrankie per il terzo appuntamento del Festival Creature, organizzato dall’associazione Open City Roma nell’ambito di Contemporaneamente 2017. Per maggiori informazioni: http://www.creaturefestival.it/

Le opere da vivere di Grazia Varisco

Grazia Varisco è nata a Milano nel 1937, frequenta l’Accademia di Brera dal 1956 al 1960 ed è cofondatrice del Gruppo T ( poetica sulla variazione dell’immagine nella sequenza temporale) durante gli anni sessanta. Promotrice del movimento dell’Avanguardia, partecipa a molte mostre firmate Miriorama e nel 1962 le sue opere d’arte sono esposte alla mostra di Arte Programmata organizzata da Bruno Munari ( artista, designer e scrittore italiano) dove curatore dell’introduzione è Umberto Eco. La Varisco espone all’estero dal 1963 alla mostra Le Nouvelle Tendence, rassegna del movimento e della luce. Alla fine degli anni sessanta la vediamo in stretto contatto con l’ufficio della Rinascente di Milano, nella progettazione grafica che le viene affidata. L’accademia di San Luca le conferisce il suo premio nel 2007.

Grazia aderisce all’Arte Cinetica e Programmata con una prima produzione di immagini che proponevano la variazione della luce, estensione e contrazione nelle forme delle superfici dando vita allo Schema Luminoso Variabile. Attraverso una serie di interviste rilasciate dall’artista possiamo capire più a fondo il significato delle sue opere come i Quadri Comunicanti: cornici che ospitano al loro interno un riflesso acquatico e che danno la percezione del movimento. L’istallazione può essere ampliata o ristretta a seconda delle occasioni e della disposizione dello spazio da allestire.

Non solo all’interno di musei o gallerie d’arte, Grazia Varisco è riuscita a dare un tocco di colore e di sua personalità anche ai parchi e agli spazi verdi delle città che hanno ospitato le sue opere IF. Istallazioni di tavole magnetiche sulle quali sono presenti elementi geometrici che creano un ordine disordine, ordine e caos; caos che non possiamo trascurare nella vita poiché parte di ognuno di noi e che mette in moto la quotidianità. Fondamentale è l’uso della mano nell’opera Risonanze al tocco, dove è la testa che guida la mano dell’osservatore che diventa parte integrante dell’opera d’arte, creando così suoni.

Concludo riportando una frase dell’artista che si adatta bene a questi tempi da noi vissuti: «Artista?! Dicono… e io me la godo! Perché la parola Artista non mi chiude in un’attività definita e limitata, mi concede uno spazio più ampio e libero; anche perché vale ugualmente al maschile e femminile e non è poco ancor oggi».

Per chiarirci un po’ le idee. Che cos’è l’arte cinetica programmata? La loro definizione non è univoca anzi presenta delle differenze concettuali non trascurabili. L’Arte Cinetica introduce nell’opera d’arte, quadro o scultura, il movimento, che può essere reale o virtuale ottenuto dallo spostamento dell’osservatore e di conseguenza dal punto di vista stesso. Dall’altra per Arte Programmata, si intende un’opera realizzata in base ad un programma di calcolo, che permette all’opera stessa di variare forma e cromia, quindi sequenze figurali secondo un ordine temporale.

 

Federica Meloni

 

Mounir Fatmi. Transition State

Dal 26 ottobre 2017 al 7 gennaio 2018, la galleria Officine dell’Immagine di Milano inaugura la nuova sede di via Carlo Vittadini 11, ospitando la più ampia personale mai realizzata in Italia di Mounir Fatmi (Tangeri, Marocco, 1970), a cura di Silvia Cirelli. Molto noto a livello internazionale, Mounir Fatmi è tra i protagonisti dell’attuale Biennale di Venezia con una doppia partecipazione al Padiglione Tunisino, all’interno della mostra The Absence of Paths, e al NSK State Pavilion.

Artista poliedrico, Mounir Fatmi si relaziona costantemente con temi di attualità come l’identità, la multiculturalità, le ambiguità del potere e della violenza. Negli anni è riuscito a rinnovarsi costantemente, esplorando una molteplice varietà di linguaggi stilistici che vanno dal video all’installazione, dalla fotografia alla performance. Il suo è un percorso narrativo che oltre a confermare una notevole abilità lessicale, miscela ingredienti personali a testimonianze del reale, tracciando importanti passaggi della storia contemporanea.

La mostra milanese, dal titolo Transition State, ripercorre i tratti distintivi della sua vasta sintesi poetica, ponendo l’accento sul concetto di “ibridazione” culturale, una combinazione di preconcetti e stereotipi svelati e poi screditati, che rafforzano una visione d’insieme costruita sul dialogo fra religione, scienza, le ambivalenze del linguaggio e quanto queste si trasformino nel corso della storia.

Un chiaro esempio del potere del linguaggio sulla verità è Martyrs, un dittico realizzato su neri pannelli di legno, la cui superficie è tagliata da una moltitudine di linee che sembrano muoversi come ferite sulla pelle di un corpo. L’emblematico titolo gioca sulle varianti semantiche di questa parola che, nel corso della storia, hanno trasformato il suo significato. Dall’antico greco martus “testimone”, a colui che sacrifica se stesso in nome della fede, fino ad arrivare all’accezione di oggi, quando viene erroneamente affiancato al concetto di kamikaze.

Il tema del martirio torna anche nel video The Silence of Saint Peter Martyr (2011), con protagonista San Pietro Martire, anche noto come Pietro da Verona, un prete del XIII secolo appartenente all’Ordine dei Domenicani, che fu giustiziato atrocemente a causa della sua forte opposizione agli eretici. La quiete della scena, che vede il soggetto muovere lentamente il dito mimando il pacifico gesto del silenzio, si contrappone violentemente all’audio del video stesso, un sottofondo disturbante e aggressivo.

L’ispirazione di materia religiosa si riconferma nella serie fotografica Blinding Light (2013), un progetto che vede la manipolazione sia concettuale che visiva della cosiddetta “Guarigione del Diacono Giustiniano”, un miracolo immortalato anche in un noto dipinto del Beato Angelico. La storia narra di due santi, Cosma e Damiano – celebri per le loro capacità mediche – che una notte entrarono nella stanza di Giustiniano e gli scambiarono la gamba malata con quella di un etiope appena deceduto. Al risveglio Giustiniano si accorse quindi di avere la gamba destra guarita, ma di colore. Giocata sulle sovrapposizioni fra il dipinto antico e scene di chirurgia odierna, Mounir Fatmi sorprende per l’abilità lessicale con la quale riesce ad affrontare temi di grande richiamo come l’identità etnica, l’ibridazione e la nozione di diversità con una sorprendete sensibilità culturale.

La visione sensoriale dello spettatore viene poi esortata nel video Technologia del 2010, dove il susseguirsi convulso di dettagli geometrici e motivi calligrafici arabi di natura religiosa, danno vita a un processo dal forte carattere ipnotico. Lo sguardo dello spettatore a fatica riesce a resistere, così come anche il suo udito, messo alla prova da suoni stridenti.

La giustapposizione fra oggetto, il suo utilizzo e il suo significato culturale si conferma centrale nell’installazione Civilization(2013), realizzata semplicemente con un paio di scarpe nere da uomo poste sopra un libro che riporta la scritta “civilization”. Con questi due oggetti, spesso utilizzati come indicatori del livello di civilizzazione delle persone, l’artista marocchino s’interroga sulla seduzione della materialità e sul suo ingannevole potere nella cultura contemporanea.

Durante l’inaugurazione, giovedì 26 ottobre alle ore 19.00, si terrà una performance costruita attorno all’installazione Constructing Illusions, un’opera partecipativa che gioca sugli equilibri fra immaginazione e realtà, concetti che spesso si mescolano fra loro, fino ad arrivare anche a scambiarsi completamente di significato.

 

 

Dal 26 Ottobre 2017 al 07 Gennaio 2018

Inaugurazione: giovedì 26 ottobre, ore 19

Milano

Luogo: Officine dell’Immagine

Curatori: Silvia Cirelli

Costo del biglietto: ingresso gratuito

Telefono per informazioni: +39 02 91638758

E-Mail info: info@officinedellimmagine.com

Sito ufficiale: http://www.officinedellimmagine.com/

Non solo meteorologia! Fujiko Nakaya e le installazioni di nebbia

Nebbia: fenomeno meteorologico caratterizzato dalla presenza di una nube formatasi a contatto col suolo, la quale è costituita da gocce d’acqua allo stato liquido o cristalli di ghiaccio sospesi nell’aria.

Questa definizione esprime in maniera scientifica il significato del termine nebbia, ma in questa sede non ci possiamo limitare a una semplice definizione di carattere enciclopedico in quanto l’arte contemporanea è un campo di ampie vedute, infatti il termine nebbia non è associato solo ed esclusivamente a un tipico fenomeno della meteorologia, esso è legato a un’artista dell’arte contemporanea, Fujiko Nakaya, realizzatrice delle suggestive installazioni di nebbia.

La nebbia consente di ammirare l’acqua allo stato gassoso, l’acqua che è l’elemento in grado di offrire la vita, è possibile osservarne l’evoluzione, come accade per l’esistenza di un qualunque essere vivente, che pian piano tende a dissolversi per poi scomparire del tutto, una vera e propria metafora della vita.

Le installazioni di Fujiko Nakaya sono delle vere e proprie sculture di vapore, catturano l’osservatore trasportandolo al proprio interno, in un mondo sublime, esterno alle pareti del tradizionale museo, un’esperienza in grado di far riflettere colui che fruisce dell’opera sulla possibilità di estendere il classico percorso museale al di fuori dell’edificio, nello spazio esterno, in quanto è possibile catturare anche in questo modo i sensi del pubblico, rendendolo parte integrante dell’installazione artistica.

Chi viene immerso dall’opera dell’artista giapponese non può fare a meno di pensare al sublime, al romanticismo ottocentesco, ove la nebbia era un elemento cardine di tale poetica, in grado di suscitare emozioni nell’intimo dell’uomo. Fujiko Nakaya intende celebrare in modo positivo il fenomeno meteorologico, infatti non è intenzione dell’artista far riflettere l’uomo intorno alle concezioni negative che vengono associate alla nebbia, per esempio all’idea di smog nata in seguito alla Rivoluzione industriale. L’artista celebra la bellezza del fenomeno facendo rivivere al pubblico l’intensità pittoresca del passato romantico.