Giacomo Balla. Dal Futurismo astratto al Futurismo iconico

Palazzo Merulana presenta Giacomo Balla. Dal Futurismo astratto al Futurismo iconico, una mostra curata da Fabio Benzi e incentrata sul famoso dipinto Primo Carnera del 1933.

Un’opera eccezionale della produzione del Maestro futurista. Dipinta sui due lati, con da una parte Vaprofumo del 1926, un soggetto tipicamente futurista che fu esposto nel 1928 alla mostra personale che Balla tenne agli Amatori e Cultori di Roma e che rappresenta appieno il giocoso sistema sinestetico del futurismo balliano dell’epoca: le forme chiare, i colori tenui, metallici e dorati, intendono evocare l’impressione olfattiva che si sprigiona da un flacone di profumo; la curiosa sagoma “bucata” del quadro rappresenta con le due aperture in alto le narici che percepiscono l’odore.

Sul verso dell’opera nel 1933, l’artista dipinge Primo Carnera che si ispira nitidamente a una foto di Elio Luxardo, amico di Marinetti (di cui fotografa la casa di piazza Adriana) e autore di un impressionante ritratto del pugile pubblicato sulla prima pagina della “Gazzetta dello Sport” nel 1933, quando diventò Campione del Mondo.

Questa immagine, diffusa simultaneamente in tutto il globo, costituisce la base iconografica del dipinto di Balla.
L’intenzione di far coincidere l’immagine dipinta con l’effetto del rotocalco è realizzato dall’artista applicando al fondo del dipinto una rete di metallo su cui poi dipinge, provocando un effetto di “retinatura”, identico a quello prodotto dalle immagini a stampa dei giornali.

Un confronto intenzionale, e per l’epoca straordinario, con i mezzi di diffusione di massa dell’immagine: elemento fondante, molti anni dopo, dell’universo figurativo del “pop art” americano (da Warhol a Lichtenstein).

È evidente che Balla studiasse un possibile sviluppo e rinnovamento del Futurismo trovando ispirazione, in sintonia con la sensibilità quotidiana della gente, nell’immaginario suscitato dal cinema, dalla fotografia di moda e di attualità, che quotidianamente si sfoglia su riviste patinate, che è simultaneamente guardata e imitata da milioni di persone
L’“avanguardia” del gusto è una sorta di immaginario di massa, di “avanguardia di massa”, concetto che egli sottolinea in un proclama futurista pubblicato nel 1930.

La mostra si propone quindi di indagare questo passaggio di stile, che sperimenta immagini che si associano fortemente, quasi violentemente, a quelle dei media dell’epoca, alla nascente iconicità dei divi mediatici (dello sport come del cinema).
In mostra si riuniscono, oltre ad alcuni dipinti più esplicitamente futuristi eseguiti negli stessi anni, le opere eseguite con quella tecnica a “retinatura”, mettendole a confronto con le immagini dei divi, realizzate da grandi fotografi come Luxardo e Ghergo, e con le riviste dell’epoca.

Giacomo Balla (1871–1958) è tra i primi protagonisti del divisionismo italiano, quando nei primi anni del ‘900 comincia a dipingere quadri di matrice pointilliste, senza aderire pienamente al programma dei suoi massimi esponenti. Diviene poi un esponente di spicco del Futurismo, firmando con Marinetti e altri tra cui Boccioni, Carrà e Russolo, i manifesti che sancivano gli aspetti teorici del movimento, il primo nel 1909 e in particolare nell’anno seguente, il Manifesto dei pittori futuristi. Dopo diversi anni di coinvolgimento attivo, nel 1937 scrive una lettera al giornale Perseo con la quale si dichiara estraneo alle attività futuriste: le opere degli anni ‘30 sono contrassegnate da un ritorno, seppur innovativo, alla figurazione.

Dal 21 Marzo 2019 al 17 Giugno 2019

Roma

Luogo: Palazzo Merulana

Indirizzo: via Merulana 121

Orari: lun.mer.giov.ven. dalle ore 14 alle ore 20; sabato e domenica dalle ore 10 alle ore 20. Ultimo ingresso ore 19. Martedì chiuso

Curatori: Fabio Benzi

Costo del biglietto: Intero 10 €, Ridotto 8 € giovani under 27, adulti over 65, insegnanti in attività, appartenenti a gruppi convenzionati. Gratuito bambini under 7, un insegnante ogni 10 studenti, un accompagnatore ogni 10 persone, disabile con accompagnatore

Telefono per informazioni: +39 06 39967800

E-Mail info: info@palazzomerulana.it

Sito ufficiale: http://www.palazzomerulana.it

Gauguin a Tahiti. Il paradiso perduto. Il mito del selvaggio. Il fascino dell’esotico che diventa leggenda

Solo il 25-26-27 Marzo 2019 come nuovo appuntamento del progetto della Grande Arte al Cinema sarà possibile compiere un viaggio alla ricerca delle origini, ovvero quello proposto da GAUGUIN A TAHITI. IL PARADISO PERDUTO.

Il film è dedicato all’artista che lasciò tutto per seguire la sua ispirazione primitiva e reiventare, trasformare, completamente la pittura occidentale. Lo spettacolo ci guiderà infatti in un percorso tra i luoghi che Gauguin scelse come propria patria d’elezione e attraverso i grandi musei americani dove sono custoditi i suoi più grandi capolavori, New York col Metropolitan Museum, Chicago con il Chicago Art Institute, Washington con la National Gallery of Art, Boston con il Museum of Fine Arts. lo spettatore sarà accompagnato durante la visione del film verso la ricerca del mondo straordinario dell’artista.

Il racconto si apre con le parole di Gauguin che si definisce come “un lupo solitario nel bosco”. La sua vita è una corsa, un uomo in fuga alla ricerca della propria felicità. E’ la storia di uomo lontano dalle regole dell’arte accademica, di una società troppo modernizzata, che cerca pace, rifugio, nelle sperdute isole della Polinesia.

I suoi capolavori sono all’origine di una straordinaria bellezza dove ogni minimo particolare viene esaltato dai colori illuminati da una luce fuori dal tempo. I suoi quadri non sono conservati ai tropici, nelle sperdute isole, ma nei grandi musei, dove ogni anno milioni di spettatori si recano per trovare il loro angolo di paradiso, e si arrendano alla grazia della natura.

La partenza dell’artista segna l’inizio di un viaggio che porterà l’artista agli antipodi della civiltà, alla ricerca dell’alba del Tempo e dell’Uomo. Le sue isole sono una disperata e febbrile ricerca di autenticità di immersioni sempre più profonde nella natura lussureggiante, di sensazioni, visioni e colori ogni volta più puri e accesi; l’approdo definitivo in un Eden talvolta crudele che farà di lui uno dei pittori più grandi di sempre. Il viaggio si apre come un libro, che trasforma in immagini quello che fu la sua vita, accampanata dalle stesse parole dell’artista.

Bodies Exhibition”. Veri Corpi Umani. A Cagliari da 26 al 28 aprile 2019

Fin dai tempi antichi l’uomo ha mostrato interesse verso il corpo umano. Se Leonardo da Vinci e Michelangelo, tra Quattrocento e Cinquecento, svolsero attenti studi sull’anatomia umana, per mezzo dell’osservazione dei cadaveri, per poter dipingere e scolpire le imponenti opere d’arte note a tutto il mondo, più tardi invece Clemente Susini, ceroplasta vissuto a cavallo tra Settecento e Ottocento, rese omaggio all’anatomia umana realizzando delle sculture in cera, conservate nel Museo delle cere anatomiche Clemente Susini di Cagliari, in virtù delle quali è possibile ammirare la composizione del corpo umano.
Immaginiamo però di non volerci più limitare all’osservazione del corpo dell’uomo solo attraverso forme d’arte quali la pittura e la scultura, compresa l’arte della ceroplastica. Come possiamo ammirare il nostro corpo “dall’interno”? La soluzione a questo quesito è stata data da Gunther von Hagens, anatomopatologo tedesco, inventore, alla fine del Novecento, della plastinazione, una tecnica di conservazione del corpo resa possibile attraverso la disidratazione e poi l’inserimento di polimeri di silicone, un metodo che rende i cadaveri inodori, rigidi e senza mutamenti di colore.
I corpi plastinati di Gunther von Hagens sono stati esposti in diverse città del mondo grazie a mostre itineranti. Ora è giunto il turno della Sardegna, che dal 26 al 28 aprile 2019 presso il T-Hotel di Cagliari ospiterà la mostra “Bodies Exhibition”. Veri Corpi Umani. L’esposizione si divide in diverse sezioni trattanti tematiche differenti, come lo scheletro e l’apparato motorio, il cervello col sistema nervoso, il cuore e la circolazione sanguigna, il sistema digestivo, i polmoni con il sistema respiratorio, i reni con le vie urinarie, gli organi sessuali e gli organi sensoriali. La mostra cagliaritana darà uno spazio particolare al tumore, con l’esposizione di pezzi autentici, presentazioni multimediali e tabelle didattiche legate al tema. Le altre tematiche trattate riguarderanno l’AIDS, l’alcool, il fumo e la donazione degli organi.

Dal 26 al 28 aprile 2019
Cagliari
T-Hotel
Prezzi d’entrata presso la cassa in loco:
Bambini fino a 4 anni: gratis
Allievi e studenti: euro 15
Adulti: euro 20

Jewish Manga art. La bellezza del rigore

La mostra, voluta dal Museo Ebraico di Venezia, Comunità ebraica veneziana e CoopCulture, con il Patrocinio del Consolato Generale del Giappone a Milano e dell’AEPJ, Associazione Europea per la preservazione del patrimonio ebraico, resterà aperta al pubblico dal 20 marzo al 28 aprile 2019, negli stessi orari del museo.

Thomas Lay è l’unico mangaka occidentale formato in Giappone nonché allievo e primo assistente di Yumiko Igarashi, celebre autrice di Candy Candy, cartoon di culto per milioni di teenager italiani e di tutto il Mondo dalla fine degli anni ’70 fino al 1997. Un vero fenomeno di massa i cui tratti potremo ritrovare nella Mostra monografica La bellezza del rigore che espone diversi quadri che rappresentano immagini tipiche dell’iconografia ebraica attraverso lo stile e la tecnica proprie dell’arte manga. I manga, da circa quarant’anni, svolgono un ruolo fondamentale nella divulgazione dello spirito e della cultura nipponica in Occidente, e specialmente in Italia, dove riscuotono grande popolarità e hanno ispirato molti artisti locali.

Nell’opera di Lay, per la prima volta, la cultura ebraica, radicata in Italia da millenni, si esprime attraverso l’estetica e lo stile narrativo dell’autentica arte giapponese. Si crea così un connubio unico e suggestivo fra culture ricche di storia e tradizione e uniscono simbolicamente i popoli nel, segno della fratellanza e della reciproca stima.

L’arte ebraica attraversa un fervido momento produttivo che vede nei giovani pittori, scultori e fotografi che lo animano, la nascita di un vero e proprio Rinascimento in “chiave pop”, di una tra le più ricche ed antiche culture della storia della civiltà. Dall’America Latina, attraverso l’Europa e fino ad Israele, il fiorire di tale sperimentazione artistica ha raggiunto risultati considerevoli. Basti ricordare il “Jewish Comic Con” di New York, e le decine di gallerie tematiche che solo nella metropoli statunitense, rappresentano quanto di più innovativo offre oggi il panorama creativo contemporaneo.

Thomas Lay inizia la carriera di disegnatore all’età di 25 anni, in Giappone, nello studio di Yumiko Igarashi, autrice di Candy Candy e Georgie. Dopo lo studio all’Accademia di Arte Drammatica di Parigi, Lay decide di seguire la sua prima, grande passione, iniziando così il percorso formativo che lo porterà a Tokyo, riuscendo nell’intento di entrare a fare parte del team di lavoro di Igarashi. Oggi Lay alterna la sua professione di interprete di giapponese all’arte dell’illustrazione, traendo forte ispirazione dalla cultura ebraica, alla quale è dedicata questa sua prima collezione di lavori iconografici: «Da ebreo, trovo importante e molto innovativo rappresentare la nostra cultura millenaria, attraverso un linguaggio grafico attuale e popolare come quello dei manga, universalmente riconosciuti».

Dal 20 Marzo 2019 al 28 Aprile 2019

Venezia

Luogo: Museo Ebraico

Indirizzo: Cannaregio 2902/b

Orari: 10-17.30

Enti promotori:

Patrocinio del Consolato Generale del Giappone a Milano e dell’AEPJ – Associazione Europea per la preservazione del patrimonio ebraico

Costo del biglietto: intero € 8, ridotto € 6

Telefono per informazioni: +39 041 715359

E-Mail info: museoebraico@coopculture.it

Sito ufficiale: http://www.museoebraico.it

Antonio Fiorentino. Kribati

Martedì 19 marzo 2019 alle ore 19.00 la Fondazione Pastificio Cerere presenta Kiribati, mostra personale dell’artista Antonio Fiorentino, a cura di Marcello Smarrelli. Il progetto è realizzato con il sostegno del MiBAC e di SIAE, nell’ambito dell’iniziativa

“Sillumina – Copia privata per i giovani, per la cultura”. Antonio Fiorentino esporrà per la prima volta una serie di opere realizzate dopo il suo soggiorno tra il luglio e l’agosto 2018 nelle isole Kiribati, stato insulare dell’Oceania composto da 33 isole sparse in un’area larga quattromila chilometri da est a ovest e duemila da nord a sud. Kiribati si trova sulla linea internazionale del cambio di data ed è il primo stato a salutare la nuova alba, il nuovo giorno, il nuovo anno: in qualche modo si può dire che “sia nel futuro”. Ma il futuro di questo paese è apocalittico perché rischia di scomparire per sempre nell’arco di pochi decenni (secondo le previsioni entro i 30 o 50 anni), poiché l’innalzamento dei mari causato dal riscaldamento globale sta sommergendo a poco a poco il territorio delle isole. Guidato da queste suggestioni, Fiorentino ha creato un gruppo di opere che descrivono il suo viaggio alla ricerca del futuro, cercando di rispondere ad un enigma irrisolvibile, in cui si sente l’eco, trasmutata dalla percezione di un giovane artista contemporaneo, di quel capolavoro straordinario di Paul Gaugin, Da dove veniamo? Chi siamo? Dove andiamo? (1897-98), considerato il suo testamento non solo artistico ma anche spirituale.

La linea del tempo a Kiribati perde il suo confine, permette distorsioni che hanno portato l’artista a “viaggiare nel tempo”, in una dimensione sospesa e indefinita, casuale, in un continuo rimando volto a valutare la prospettiva a seconda della direzione percorsa. Così, l’idea di futuro perde la sua connotazione tradizionale, il suo dualismo, positivista o catastrofista, per lasciare spazio a nuove e più libere interpretazioni.

Il 15 aprile 2019 alle 19, a completare il percorso della mostra, sarà presentato in anteprima il video dal titolo Kiribati, realizzato dall’artista sull’isola. Il video sarà esposto nello Spazio Molini situato nei sotterranei del Pastificio Cerere, recentemente recuperato a seguito dei lavori di risistemazione dell’antico mulino della ex fabbrica di pasta.

Antonio Fiorentino (Barletta, 1987) vive e lavora tra Milano e New York. Ha ricevuto premi per artisti emergenti, tra cui il Talent Prize 2015 e il New York Prize XVI. Le istituzioni nazionali e internazionali dove ha esposto sono: Istituto Italiano di Cultura di New York (2018); MUSAC, Leon, (2018); MUHNAC, Lisbona, (2017); HANGAR, Lisbona, (2017); ISCP, New York, (2017); Istituto Svizzero, Roma, (2017); La Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea, Roma, (2016); HIAP, Helsinki, (2016); Kunst Meran, Merano (2015); Centro di Arte Contemporanea Villa Arson, Nizza, (2014); American Academy, Roma, (2013); Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Torino, (2012).

Dal 19 Marzo 2019 al 19 Luglio 2019

Roma

Luogo: Fondazione Pastificio Cerere

Indirizzo: via degli Ausoni 7

Orari: dal lunedì al venerdì dalle 15.00 alle 19.00; il sabato dalle 16.00 alle 20.00 (fino al 25 maggio 2019

Curatori: Marcello Smarrelli

Enti promotori:

MiBAC

SIAE

Costo del biglietto: Ingresso gratuito

Telefono per informazioni: +39 06 45422960

E-Mail info: info@pastificiocerere.it

Sito ufficiale: http://www.pastificiocerere.it

Leonardo Da Vinci – La scienza prima della scienza

A 500 anni dalla morte di Leonardo Da Vinci le Scuderie del Quirinale di Roma, in collaborazione con il Museo Nazionale della Scienza e della Tecnologia di Milano e la Veneranda Biblioteca Ambrosiana presentano la mostra Leonardo Da Vinci – La scienza prima della scienza, un progetto espositivo che si focalizza sulle ricerche e le scoperte effettuate dal grande genio toscano nel campi dell’ ingegneria e della tecnica.

Non aspettatevi quindi di trovare in questa sede delle opere di pittura o uno dei suoi famosi ritratti; potrete invece ammirare più di 200 opere, articolate in 10 sezioni disposte su due piani, che includono una serie di modelli di macchine progettate ed ideate per i più svariati usi (si va dall’edilizia all’arte bellica, dall’ingegneria idraulica alle incredibili anticipazioni sulle possibilità del volo da parte degli esseri umani), oltre a rari volumi e disegni tecnici, senza dimenticare alcuni particolari progetti di edifici, come il modello in gesso del Pantheon e i grandi portelli delle chiuse del Naviglio, esposti qui al pubblico per la prima volta.

Oltre ai modelli, la mostra presenta un ricchissimo corpus di disegni e manoscritti: si parte dalle 10 illustrazioni del Codice Atlantico di Leonardo Da Vinci, in prestito dalla Biblioteca Ambrosiana di Milano, fino al trattato di Francesco Di Giorgio, proveniente dalla Biblioteca Laurenziana, volume appartenuto al grande artista, come si evince dalla serie di annotazioni scritte di suo pugno all’interno; e ancora da Ginevra uno dei due manoscritti della Divina Proportione di Luca Pacioli, che contiene la rappresentazione di sessanta solidi basati sui disegni preparatori eseguiti da Leonardo stesso.

La mostra, curata da Claudio Giorgione, è parte centrale del ricco calendario di celebrazioni che si svolgeranno dal 13 marzo al 30 giugno presso le Scuderie del Quirinale, e si pone l’obiettivo di raggiungere un pubblico vasto e variegato: le audio guide infatti offriranno due percorsi, uno riservato agli adulti, l’altro studiato per i bambini. E non è finita: per i giovani visitatori infatti, saranno previsti nei weekend anche dei laboratori educativi per le scuole.

Scuderie del Quirinale
dal 13 marzo al 30 giugno 2019
Via XXIV Maggio 16 – Roma
Dalla domenica al giovedì dalle 10.00 alle 20.00 -Venerdì e sabato dalle 10.00 alle 22.30
www.scuderiequirinale.it

De Chirico e Savinio. Una mitologia moderna

Dal 16 marzo al 30 giugno 2019 la Fondazione Magnani-Rocca ospita una grande mostra dedicata a Giorgio de Chirico e Alberto Savinio, i «dioscuri» dell’arte del XX secolo.
I due fratelli hanno ripensato il mito, l’antico, la tradizione classica attraverso la modernità dell’avanguardia e della citazione, traslandoli e reinterpretandoli per tentare di rispondere ai grandi enigmi dell’uomo contemporaneo, dando vita a quella che Breton definì una vera e propria mitologia moderna. La mostra – allestita alla Villa dei Capolavori, sede della Fondazione a Mamiano di Traversetolo presso Parma – presenta oltre centotrenta opere tra celebri dipinti e sorprendenti lavori grafici, in un percorso espositivo che, dalla nascita dell’avventura metafisica, si focalizza su un moderno ripensamento della mitologia e giunge alla ricchissima produzione per il teatro, documentata anche da preziosi costumi per l’opera lirica.

I Dioscuri dell’Arte – «Sono l’uno la spiegazione dell’altro» scriveva Jean Cocteau dei due fratelli de Chirico. Vicinissimi nei primi passi delle rispettive carriere, de Chirico e Savinio lavorano a stretto contatto nei primi anni parigini. André Breton definiva il loro lavoro “indissociabile nello spirito”: le visioni concepite da Giorgio in quegli anni, trovano un corrispettivo letterario nella poetica del fratello; nonostante il merito sia stato storicamente attribuito al genio di de Chirico, ad oggi è ormai riconosciuto il ruolo rivestito da Savinio nell’elaborazione dell’estetica metafisica.

L’esposizione – curata da Alice Ensabella, Università di Grenoble, e da Stefano Roffi, direttore scientifico della Fondazione Magnani-Rocca – si propone di ricostruire criticamente le fonti comuni dei fratelli de Chirico al fine di metterne in evidenza affinità, contrasti e interpretazioni del fantastico universo che prende forma nelle loro traduzioni pittoriche, letterarie e teatrali.

Giorgio (1888-1978) e Andrea (1891-1952) de Chirico – nascono in Grecia, dove trascorrono tutta l’infanzia. Figli di un milieu alto borghese e cosmopolita, ricevettero un’educazione solida ed internazionale, influenzata dal romanticismo e dal nichilismo tedeschi, dall’avanguardia parigina, dalla cultura classica mediterranea, greca certamente, ma anche profondamente italiana.
Questo particolarissimo imprinting filosofico, artistico e letterario, che forgia le menti dei fratelli de Chirico nei loro anni di formazione e primi anni di attività, darà come risultato uno dei momenti più originali e più alti della cultura figurativa italiana del Novecento.

Il viaggio, il mistero del distacco, la struggente commozione del ritorno, gli interrogativi sulla condizione umana, il richiamo al mito – Nonostante il comune percorso intellettuale, de Chirico e Savinio dimostrarono fin da giovani caratteri e approcci diversi alla pratica artistica. Savinio, figura poliedrica, nasce come musicista e compositore, diviene in seguito scrittore e approda alla pittura solo all’età di trentacinque anni. De Chirico, dalla personalità più decisa e granitica, individua fin dall’adolescenza la sua strada nella pittura.

Se le opere di entrambi sono caratterizzate da temi di interesse comune come il viaggio, il mistero del distacco, la struggente commozione del ritorno, gli interrogativi sulla condizione umana, il richiamo al mito, all’antico, le interpretazioni che i due fratelli ne forniscono non sono le stesse, approdando spesso a risultati stilisticamente e iconograficamente distanti. Più freddo, mentale e concettuale, de Chirico, anche dopo la grande stagione metafisica non rinuncerà a rappresentazioni ancora impregnate di enigmi, che caratterizzeranno i suoi paesaggi che richiamano ai miti dell’antichità, cavalli fra le rovine della civiltà greca, gladiatori in procinto di vivere o morire, autoritratti e ridondanti nature morte. Gioco e ironia sono invece i cardini intorno ai quali ruota l’estetica di Alberto Savinio. A differenza del fratello, infatti, Savinio dimostra un’innata capacità di immettere nei profondi silenzi metafisici la sapiente leggerezza dell’ironia, che si dispiega attraverso una visionarietà fantastica. Nelle sue opere oggetti inanimati ed esseri animati si uniscono in un’unica rappresentazione colorata e vivace, nella quale forme umane e animali si confondono e si decontestualizzano, inserite all’interno di prospettive impossibili e di un’atmosfera improbabile quanto ludica.

Dal 16 Marzo 2019 al 30 Giugno 2019

Parma

Luogo: Fondazione Magnani-Rocca

Indirizzo: via Fondazione Magnani-Rocca 4, Mamiano di Traversetolo

Curatori: Alice Ensabella, Stefano Roffi

Costo del biglietto: € 12 valido anche per le raccolte permanenti, € 10 per gruppi di almeno venti persone, € 5 per le scuole

Telefono per informazioni: +39 0521 848327

E-Mail info: info@magnanirocca.it

Sito ufficiale: http://www.magnanirocca.it

Surrealist Lee Miller

Palazzo Pallavicini e ONO arte contemporanea sono lieti di presentare la mostra “Surrealist Lee Miller”, la prima italiana della retrospettiva dedicata ad una delle fotografe più importanti del Novecento.

Lanciata da Condé Nast, sulla copertina di Vogue nel 1927, Lee Miller fin da subito diventa una delle modelle più apprezzate e richieste dalle riviste di moda. Molti i fotografi che la ritraggono – Edward Steichen, George Hoyningen-Huene o Arnold Genthe – e innumerevoli i servizi fotografici di cui è stata protagonista, fino a quando – all’incirca due anni più tardi – la Miller non decide di passare dall’altra parte dell’obiettivo.

Donna caparbia e intraprendente, rimane colpita profondamente dalle immagini del fotografo più importante dell’epoca, Man Ray, che riesce ad incontrare diventandone modella e musa ispiratrice. Ma, cosa più importante, instaura con lui un duraturo sodalizio artistico e professionale che assieme li porterà a sviluppare la tecnica della solarizzazione.

Amica di Picasso, di Ernst, Cocteau, Mirò e di tutta la cerchia dei surrealisti, Miller in questi anni apre a Parigi il suo primo studio diventando nota come ritrattista e fotografa di moda, anche se il nucleo più importante di opere in questo periodo è certamente rappresentato dalle immagini surrealiste, molte delle quali erroneamente attribuite a Man Ray.

A questo corpus appartengono le celebri Nude bent forward, Condome Tanja Ramm under a bell jar, opere presenti in mostra, accanto ad altri celebri scatti che mostrano appieno come il percorso artistico di Lee Miller sia stato, non solo autonomo, ma tecnicamente maturo e concettualmente sofisticato.

Dopo questa prima parentesi formativa, nel 1932 Miller decide di tornare a New York per aprire un nuovo studio fotografico che, nonostante il successo, chiude due anni più tardi quando per seguire il marito – il ricco uomo d’affari egiziano Aziz Eloui Bey – si trasferisce al Cairo.

Intraprende lunghi viaggi nel deserto e fotografa villaggi e rovine, iniziando a confrontarsi con la fotografia di reportage, un genere che Lee Miller porta avanti anche negli anni successivi quando, insieme a Roland Penrose – l’artista surrealista che sarebbe diventato il suo secondo marito – viaggia sia nel sud che nell’est europeo.

Poco prima dello scoppio della Seconda Guerra Mondiale, nel 1939, lascia l’Egitto per trasferirsi a Londra, ed ignorando gli ordini dall’ambasciata americana di tornare in patria, inizia a lavorare come fotografa freelance per Vogue. Documenta gli incessanti bombardamenti su Londra ma il suo contributo più importante arriverà nel 1944 quando è corrispondente accreditata al seguito delle truppe americane e collaboratrice del fotografo David E. Scherman per le riviste “Life” e “Time”.

Fu lei l’unica fotografa donna a seguire gli alleati durante il D-Day, a documentare le attività al fronte a durante la liberazione. Le sue fotografie ci testimoniano in modo vivido e mai didascalico l’assedio di St. Malo, la Liberazione di Parigi, i combattimenti in Lussemburgo e in Alsazia e, inoltre, la liberazione dei campi di concentramento di Dachau e Buchenwald. È proprio in questi giorni febbrili che viene fatta la scoperta degli appartamenti di Hitler a Monaco di Baviera ed è qui che scatta quella che probabilmente è la sua fotografia più celebre: l’autoritratto nella vasca da bagno del Führer.

Dopo la guerra Lee Miller ha continuato a scattare per Vogue per altri due anni, occupandosi di moda e celebrità, ma lo stress post traumatico riportato in seguito alla permanenza al fronte contribuì al suo lento ritirarsi dalla scena artistica, anche se il suo apporto alle biografie scritte da Penrose su Picasso, Mirò, Man Ray e Tapiesfu fondamentale, sia come apparato fotografico che aneddotico.

La mostra, organizzata da Palazzo Pallavicini e curata da ONO arte contemporanea, si compone di 101 fotografie che ripercorrono l’intera carriera artistica della fotografa, attraverso quelli che sono i suoi scatti più famosi ed iconici, compresa la sessione realizzata negli appartamenti di Hitler, raramente esposte anche a livello internazionale e mai diffuse a mezzo stampa per l’uso improprio fattone negli anni da gruppi neonazisti.

Dal 14 Marzo 2019 al 09 Giugno 2019

Bologna

Luogo: Palazzo Pallavicini

Indirizzo: via San Felice 24

Orari: da giovedì a domenica 11-20 (ore 19 ultimo ingresso). Chiuso il lunedì, martedì e mercoledì. Aperture straordinarie: 22 e 25 aprile 11-20 (ore 19 ultimo ingresso) 1 maggio 11-20 (ore 19 ultimo ingresso) 2 giugno 11-20 (ore 19 ultimo ingresso)

Enti promotori:

Palazzo Pallavicini

ONO arte contemporanea

Telefono per informazioni: +39 3313471504

E-Mail info: info@palazzopallavicini.com

Sito ufficiale: http://www.palazzopallavicini.com

Limiti di curvatura: la prima personale di Milena Rossignoli da White Noise Gallery

Sabato 23 marzo 2019 apre alla White Noise Gallery di Roma la prima mostra personale in galleria della giovanissima Milena Rossignoli (1990). Nata a Quito in Ecuador e cresciuta in Italia, oggi vive e lavora a Barcellona. La mostra, Limiti di curvatura a cura di Eleonora Aloise e Carlo Maria Lolli Ghetti, sintetizza nello spazio l’indagine artistica che l’artista porta avanti: un processo fortemente connesso all’intuizione che lavora nello spazio e per lo spazio, ricercandone le contrazioni o le eventuali dilatazioni che si creano attraverso il rapporto con la luce, il vuoto e la sua stessa presenza nell’ambiente.

Il lavoro di Rossignoli si divide in due fasi, una iniziale che prevede la creazione di relazioni intime e interpersonali con lo spazio, e una seconda che partendo proprio da questa relazione, ne sviscera le caratteristiche liberandolo dalle stesse e portandone via le tracce. L’artista, utilizzando la tecnica dello strappo su pavimenti, pareti o finestre, crea nuovi medium che sembrano tele dalle geometrie instabili in cui è impresso il pattern della superficie.

In una continua ricerca introspettiva del legame tra Terra e Cosmo e tra contenitore fisico e contenuto umano, Rossignoli fa appello a simboli quasi arcaici, le tele e gli altri elementi utilizzati diventano non solo basi, superficie estetiche ma percorsi cognitivi in cui si nascondono processi mentali di costruzione e decostruzione che mantengono però in questa presenza/assenza un forte legame con il luogo, il territorio e l’essere in trasformazione. Come se fossero delle impronte, l’artista crea degli archivi immaginari in cui le stanze anonime diventano il contenitore di un processo in divenire in cui anche il non-finito, l’incompleto, diventa ricerca e indagine insieme. Una sorta di nido ideale, simbolo di casa e dunque luogo sicuro, ma anche connotato esperienziale di un processo, quasi ludico, che ci porta a immaginare, combinare, scombinare gli elementi dello spazio ma ritrovandone sempre degli elementi riconoscibili.

Il limite di curvatura è dunque l’istante prima della rottura, una tensione in bilico tra il massimo potenziale e la lacerazione, fisica ed emotiva. Nella ricerca dell’artista non solo tela e cemento, ma anche legno e materiali da costruzione vengono spinti all’estremo e al limite della loro torsione o piegamento attraverso il vapore, il tempo, l’usura e la gravità. Tutti questi elementi diventano base di un linguaggio compositivo privo di regole, che coinvolge emotivamente lo spettatore accompagnandolo in un percorso onirico ed esperienziale che si rigenera sempre nel qui e ora.

Milena Rossignoli / Limiti di curvatura
opening: 23 marzo 18.30
dal 23 marzo al 25 maggio 2019
White Noise Gallery
Via della Seggiola n. 9, 00186 – Roma
Orari: dal martedì al venerdì, dalle 11:00 alle 19:00; il sabato dalle 16:00 alle 20:00
Ingresso libero

Helen Frankenthaler. Sea Change: A decade of paintings, 1974–1983

Gagosian è lieta di presentare a Roma una mostra di dipinti di Helen Frankenthaler, in concomitanza con l’esposizione dell’artista a Palazzo Grimani durante la Biennale di Venezia 2019.

Frankenthaler è da tempo riconosciuta come una delle più grandi artiste americane del Ventesimo secolo. Figura di punta della seconda generazione di pittori astratti americani del Dopoguerra, è famosa per il suo ruolo fondamentale nella transizione dall’Espressionismo Astratto al movimento Color Field. Con la sua invenzione della tecnica soak-stain, ha ampliato le possibilità della pittura astratta, rifacendosi a volte anche al figurativo e al paesaggio in modo unico.

Nell’estate del 1974 Frankenthaler affitta una casa a Shippan Point vicino a Stamford, nel Connecticut, affacciata sulle acque del Long Island Sound, segnando l’inizio di un importante periodo di cambiamento nel suo lavoro. La mostra, intitolata Sea Change, comprende dodici tele dipinte tra il 1974 e il 1983 fortemente influenzate dagli ampi panorami e dal movimento delle maree di questi nuovi paesaggi.

Una delle prime tele di quegli anni, Ocean Drive West #1 (1974), si riferisce esplicitamente all’oceano con le sue bande orizzontali fluttuanti, che sembrano arretrare di fronte a una distesa blu trasparente. In Jupiter (1976) e Reflection (1977), le pennellate sono dense e verticali, e sembrano essere sul punto di dissolversi. In entrambi questi dipinti, i colori caldi della terra sono in contrasto con il blu-verde acqueo, evocando l’incontro tra terra e acqua. Le tele di grande formato Tunis II e Dream Walk Red (entrambe del 1978), esprimono un forte senso di calore, con densi strati di rosso scuro, rosa, cremisi, terra di Siena e rosso scarlatto. In questo periodo Frankenthaler lavora sul concetto di “fare di più per ogni immagine,” per creare opere allo stesso tempo più complesse e complete.

In Feather (1976), Omen (1980) e Shippan Point: Twilight (1980) i colori si mescolano, si sovrappongono e si ripiegano l’uno nell’altro producendo sfumature morbide ed originali. I tocchi, i segni e i tratti di pigmento giallo di Omen preannunciano le successive tele orizzontali di dimensioni ambiziose: densi grumi e tracce di colore scuro su un fondo più chiaro in Sacrifice Decision (1981), o di colore chiaro su un fondo più scuro in Eastern Light (1982). Con Tumbleweed (1982), Frankenthaler inquadra questo approccio pittorico su un campo verde luminoso e compatto, allontanandolo dal riferimento ai valori atmosferici – di aria e acqua – per portarlo su un terreno più solido, come espresso dal titolo e dalla superficie verdeggiante.

La tela più recente in mostra, Silver Express (1983), testimonia il momento in cui Frankenthaler inizia a non pensare più all’acqua e immagina invece di spostarsi su una superficie piatta e resistente, in questo caso ai margini di uno spazio più urbano come la piazza. Il solido monocromo rosso è al contempo l’opposto e il risultato del processo iniziato con il fluido monocromo blu di Ocean Drive West #1. Una “specie di mare” torna sulla terraferma.

Helen Frankenthaler: Sea Change, quinta mostra di Frankenthaler presentata da Gagosian dal 2013, è curata da John Elderfield, Capo Curatore Emerito della sezione Dipinti e Sculture del Museum of Modern Art di New York, e consulente per i progetti speciali di Gagosian. La mostra sarà accompagnata da un catalogo illustrato con un saggio di Elderfield.

Dal 13 Marzo 2019 al 19 Luglio 2019

Roma

Luogo: Gagosian Gallery

Indirizzo: via Francesco Crispi 16

Curatori: John Elderfield

Sito ufficiale: http://gagosian.com