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INHABITANTS Fotografie di Andrea Buzzichelli

Cosa ci fanno quattro cinghiali, un lupo, tre cervi, una lepre e una volpe in via Macerata a Roma? Non sono parte di un ripopolamento faunistico del quartiere Pigneto o di qualche filastrocca per bambini, ma protagonisti ignari di una mostra che inaugura oggi 1 ottobre 2020 presso la galleria Interzone di Michele Corleone.

La mostra, intitolata Inhabitants, espone circa 35 opere del fotografo toscano Andrea Buzzichelli. Prodotte nel 2016 all’interno di un’indagine sui parchi italiani ideata dal collettivo Synapsee, di cui Buzzichelli è membro fondatore, le fotografie ritraggono il Parco Nazionale delle Foreste Casentinesi.

Non si tratta però delle classiche fotografie naturalistiche e di paesaggio. Le immagini proposte dall’artista sono infatti in gran parte tratte dall’archivio della Guardia Forestale locale, e scattate attraverso l’utilizzo di fototrappole. Si tratta perciò in sostanza di una sorta di autoritratti inconsapevoli degli “abitanti” del parco, che il fotografo – in un dichiarato omaggio a George Shiras III – ha rielaborato e inserito all’interno di una riflessione artistica sul rapporto dell’uomo con la natura.

Il risultato di questa operazione sono visioni notturne rubate della vita del bosco, molto intense sia dal punto di vista formale che della potenza rivelatrice verso qualcosa che altrimenti rimarrebbe oscuro (in tutti i sensi). A causa del loro carattere voyeuristico, generano un senso di disagio e quasi di colpa nello spettatore, che si trova a spiare dei momenti e uno spazio di cui non dovrebbe essere parte.

Il senso di intrusione all’interno della scena ritratta è amplificato in questo caso anche dall’allestimento delle opere in mostra. Le fotografie sono esposte infatti in una veste nuova, con opere inedite e interessanti soluzioni installative di tipo immersivo.

L’artista sarà presente durante l’inaugurazione, l’ingresso è libero ma su prenotazione.

INHABITANTS Fotografie di Andrea Buzzichelli
1-31 ottobre 2020
Interzone Galleria
Via Macerata, 46 – Roma
Orari: dal martedì al venerdì 15 – 20 / sabato su appuntamento
http://interzonegalleria.it/

Il “mondo fluttuante” di Anna Onesti in mostra alla Casina delle Civette

La storia della carta in Giappone affonda le sue radici in epoche lontane, passando dai contatti con la Cina all’avvento del Buddhismo. La carta di produzione artigianale, così come l’impiego dei colori naturali, conserva però ancora oggi in Oriente una tradizione manifatturiera straordinariamente viva, e questi materiali di altissima qualità insieme alla loro ritualità senza tempo continuano a resistere in un mondo dominato dalla tecnologia e dal progresso.

La mostra Un mondo fluttuante. Opere su carta di Anna Onesti, che inaugura il prossimo 3 ottobre alla Casina delle Civette di Roma, riflette proprio su queste materie preziose e uniche. L’artista e restauratrice Anna Onesti, che da oltre vent’anni si dedica ad approfondire tradizioni artistiche diverse e lontane, presenterà infatti otto arazzi e otto aquiloni in carta giapponese, frutto del suo recente lavoro. Promossa da Roma Capitale, Assessorato alla Crescita culturale – Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali, con il patrocinio della Fondazione Italia Giappone, la mostra è a cura di Alessia Ferraro e Maria Grazia Massafra.

Tutte le opere in mostra, in un dichiarato omaggio al Giappone, sono realizzate su carta washi (o “carta giapponese”) e con colori di origine vegetale, utilizzando tecniche decorative ispirate alla tintura tradizionale dei tessuti, come l’itajimezome, lo shiborizome e il katazome. Attraverso queste opere l’artista vuole gettare un ponte tra tradizioni artistiche diverse e tra culture lontane, ma anche tra passato e presente, unendo tecniche antiche a una manualità contemporanea.

«Sopraffatti dall’elemento naturale, che permea così tanto le opere di Anna Onesti – scrive la curatrice Alessia Ferraro – si è tentati, addirittura, di allungare l’olfatto e tendere l’udito fino a sentirsi completamente immersi nell’incanto del paesaggio giapponese, che quest’artista sa raccontare così bene. Il mondo in cui Anna Onesti ci trascina è un mondo fluttuante. È una realtà “liquida” e in continuo mutamento quella che oggi viviamo e da cui siamo circondati e che, con la sua irrequietezza, tende talvolta a sopraffarci. Una realtà che le opere su carta di questa illuminata artista, ci insegnano a vivere con la leggerezza e la spensieratezza di un bambino che affida all’aria, per la prima volta, il suo aquilone».

Nell’ambito della mostra si svolgeranno alcuni eventi collaterali che saranno fruibili in modalità a distanza o secondo le prescrizioni delle leggi in vigore. La partecipazione agli eventi collaterali è gratuita, il calendario verrà comunicato in data prossima all’apertura della mostra.

Un mondo fluttuante. Opere su carta di Anna Onesti
3 ottobre 2020 – 10 gennaio 2021
Musei di Villa Torlonia, Museo della Casina delle Civette
Via Nomentana, 70 – Roma
www.museivillatorlonia.it
www.museiincomuneroma.it

I pasticcini li porto io: Claudio di Carlo in mostra a Roma

C’è una mostra a Roma, in apertura domani 5 settembre presso la Galleria Minima di Mario Tosto, in cui le opere sono servite su vassoi.

Si tratta della personale del pittore, produttore e art director abruzzese Claudio Di Carlo, intitolata I pasticcini li porto io, in cui tutte le opere esposte sono realizzate su vassoi per pasticcini. Quelli di cartoncino dorato che per noi golosi sono sinonimo di grande gioia, che evocano l’idea di convivialità e ci ricordano le feste da bambini e le cene tra amici. E che a Claudio Di Carlo ricordano invece delle cornici.

La mostra, a cura di Francesca Perti, è infatti concepita come una sorta di quadreria ottocentesca, in cui dipinti e collage appaiono incorniciati proprio dai bordi d’oro dei vassoi. L’artista sembra voler attivare in questo modo una sorta di cortocircuito visivo, mescolando in maniera sottile arte e vita quotidiana, produzione alta e bassa.

L’incontro tra arte e cultura di massa, tra produzione artistica e produzione industriale, avanguardia e kitsch, è del resto avvenuto ormai da tempo. Vi abbiamo assistito ad esempio con l’invenzione della fotografia, poi con il Futurismo, la Pop art, il Nouveau Réalisme, ecc. Claudio Di Carlo, artista eclettico attivo sulla scena artistica visiva e musicale a partire dagli anni Settanta, ripropone oggi questo incontro come gesto critico, di ribellione estetica. “Il suo è un continuo lavoro di ricombinazione – scrive la curatrice nel testo di accompagnamento alla mostra – che ha sempre solcato le forme estetiche della vita quotidiana e le forme spettacolari del consumo di massa per approdare alla distillazione e all’integrità di una chiara esperienza sensibile. Il mondo reale e il mondo interiore si fondono aprendo a una realtà altra”.

L’artista sarà presente in galleria per l’inaugurazione il 5 settembre, per il finissage il 26 settembre, e per un appuntamento intermedio il 17 settembre 2020. Da bere chi lo porta?

Claudio Di Carlo – I pasticcini li porto io
Galleria Minima
Via del Pellegrino 18 – Roma
Inaugurazione 5 settembre 2020 ore 18.00
Finissage 26 settembre dalle ore 16.00
Orari: dal martedì al sabato 16.00 – 19.00 oppure su appuntamento

galleria_minima@hotmail.it
tel. 3393241875

Senza titolo (la pittura come modello)

Senza titolo (la pittura come modello) si propone come una riflessione sull’astrazione e i suoi margini in pittura, scultura, fotografia e cinema d’artista.

La mostra che pone il suo baricentro nelle sperimentazioni degli anni settanta prevede alcuni strategici arretramenti che conducono sino alla riproposizione di alcune opere seminali delle avanguardie storiche (Hans Richter, Vicking Eggelink, Walter Ruttmann, Luigi Veronesi) e alcuni sconfinamenti che conducono sino alla ricerca contemporanea con riprese tematiche che vedono coinvolti alcuni artisti delle ultime generazioni operanti in Toscana. Un’indagine dunque che unirà lavori storici alle ricerche attuali in un racconto sincronico messo in atto attraverso le opere conservate nella collezione di Museo Casa Masaccio Centro per l’arte contemporanea e ai prestiti concessi della Galleria Nazionale d’ Arte Moderna e Contemporanea di Roma, della Fondazione per le Arti Contemporanee in Toscana – Centro per l’Arte Contemporanea Luigi Pecci e del Museo Fattori – Fondo ex museo progressivo di Arte Contemporanea di Livorno e dal Goethe-Institut Roma.

Rassegna realizzata nell’ambito del progetto di iniziativa regionale Toscanaincontemporanea2016.

casamasaccio.us

12 novembre – 31 dicembre 2016
Casa Masaccio | Corso Italia, 105 | San Giovanni Valdarno
Palazzo Panciatichi – MK Search Art | Corso Italia, 14 | San Giovanni Valdarno

FUTUR BALLA

Grandi prestiti internazionali, molte opere mai prima viste in Italia, per raccontare Giacomo Balla. Dall’apprendistato torinese al realismo sociale, alla sperimentazione della tecnica divisionista al grande momento futurista.
La Fondazione Ferrero di Alba si prepara a rendere omaggio a Giacomo Balla (Torino 1871 – Roma 1958), figura straordinaria di pittore e fondamentale raccordo tra l’arte italiana e le avanguardie storiche, con una mostra di risonanza internazionale, a cura di Ester Coen.
In linea con la storia ventennale delle proprie esposizioni d’arte, legate allo sviluppo della cultura del territorio, la Fondazione Ferrero si avvale della collaborazione scientifica della GAM di Torino e della Soprintendenza Belle Arti del Piemonte per la realizzazione della mostra e delle attività educative ad essa collegate. Il progetto dedicato a Giacomo Balla prevede un’esposizione articolata in sezioni tematiche: il realismo sociale e la tecnica divisionista; le compenetrazioni iridescenti e gli studi sulla percezione della luce; l’analisi del movimento e il futurismo.
Nelle opere che seguono il primo apprendistato torinese, lo sguardo penetra la realtà dolorosa e crudele delle classi ai bordi della società. Un ampio numero di opere documenterà questa fase – tra fine ottocento e primi novecento – durante la quale, in parallelo a temi tra sofferenza e alienazione, l’artista svilupperà un’altissima sensibilità tecnica, le cui origini affondano nel divisionismo piemontese. La pennellata ricca di filamenti luminosi, il forte contrasto tra chiari e scuri, la scelta di tagli prospettici audaci ed estremi rappresenterà per i futuri aderenti al Manifesto del Futurismo un modello unico e straordinario da seguire.
La mostra di Alba evidenzierà poi l’adesione alla poetica del Futurismo. Dal realismo dei primi dipinti si assisterà alla trasposizione dei precedenti principi compositivi nella materia dinamica e astratta delle Compenetrazioni iridescenti a larghi tasselli cromatici, alla ricomposizione della nuova realtà in movimento nelle Linee di velocità.
In un progressivo avvicinamento ai segni matematici puri: verticale, diagonale, spirale, il linguaggio di Balla scopre nuove categorie della rappresentazione nei suoi parametri primari, nell’amplificazione del fenomeno fisico, isolato, sezionato e inquadrato in tutta la sua verità di materia vibratile. Una visione capace di attingere alle massime profondità, ma di sfondare anche i limiti della cornice, in un gioco di rilancio verso la vita.
Le opere del percorso appartengono a prestigiose collezioni pubbliche e private, italiane ed estere e sarà possibile ammirare capolavori straordinari, difficilmente concessi in prestito: il Polittico dei viventi, nella sua completezza, dalla Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma e dall’Accademia di San Luca di Roma, La mano del violinista dalla Estorick Collection di Londra, la Bambina che corre sul balcone dal Museo del Novecento di Milano, il Dinamismo di un cane al guinzaglio dalla Albright-Knox Art Gallery di Buffalo, il Volo di rondini del Museum of Modern Art di New York, la Velocità astratta + rumore in prestito dalla Peggy Guggenheim Collection di Venezia, che sarà accostata alla Velocità astratta. L’auto è passata della Tate Modern di Londra, e ancora un’Automobile in corsa proveniente da The Israel Museum of Gerusalemme. Solo per accennarne alcuni.
Giacomo Balla, Fonte beniculturali.it
Data Inizio: 29 ottobre 2016
Data Fine: 27 febbraio 2017
Prenotazione:Nessuna
Luogo: Alba, Fondazione Piera Pietro e Giovanni Ferrero
Città: Alba
Provincia: CN
Regione: Piemonte
Orario: lunedì, mercoledì, giovedì, venerdì ore 15 – 19; sabato, domenica e festivi ore 10 – 19 martedì chiusogiorni di chiusura: 24, 25, 31 dicembre 2016, 1° gennaio 2017
Telefono: 0173 295094
E-mail: ufficiostampa@fondazioneferrero.it
Sito web

José Molina. Uomini e altri demoni

La Galleria Deodato Arte di Milano presenta dal 19 ottobre al 26 novembre una personale dell’artista spagnolo José Molina dal titolo “Uomini e altri demoni”. Ricca di circa quaranta opere, fra dipinti, disegni e sculture, si compone di un nucleo importante di opere recenti e inedite, esposte accanto a lavori storici.

Curata da Chiara Gatti, la mostra mira a raccontare il mondo sommerso della ricerca di Molina, il suo interesse, in bilico fra psicanalisi e antropologia, per i moti dell’animo umano, le pulsioni più intime che distinguono l’inconscio collettivo e nutrono quella genealogia di archetipi primari radicati nella esperienza dell’uomo, sin dalle origini. In un viaggio dentro le anse della nostra mente, Molina scava – forte di una certa lezione junghiana – a caccia di istinti primordiali che traduce in immagini totemiche e primigenie, selvatiche e archeologiche, in una commistione di passato e presente, improvvisamente incontrati sul limite del tempo. Anime e volti si mescolano in un flusso di memoria. L’uomo e i suoi progenitori. La vita, la morte, il cerchio dell’esistenza. La realtà, i sogni, gli incubi. La pittura di Molina è un grande specchio teso a svelare ciò che siamo nel profondo, quello che mostriamo agli altri e quello che invece nascondiamo. È una pittura colta che, nei ritratti, si dimostra erede della scuola fisiognomica rinascimentale; nei soggetti, tradisce altresì una matrice fortemente letteraria: attinge infatti dai miti e dalle leggende della letteratura mondiale, e intesse storie popolate di dei, eroi e demoni spesso attualizzati sullo sfondo di un panorama contemporaneo.

L’uomo di oggi e le sue relazioni con gli altri, con l’ambiente che lo circonda, è il protagonista di una monumentale saga del potere nelle opere già note, più volte esposte in occasione di mostre pubbliche e private, della collezione “Predatores”; qui il demone sociale si manifesta nella propensione atavica di dominare i deboli, in quella ruota del potere dove chi lo subisce si alterna a chi lo esercita. Un atto di forza sgorga da impulsi basici, dalla volontà di conferma, di accettazione e di gratifica. Nella collezione “Los Olvidados” affiora in superficie, su carte tratteggiate con matite nere e grasse, un corteo di creature ferite dalle leggi della selezione, relegate ai margini della storia per una fragilità congenita. Poetica è la riflessione che alimenta la collezione “Anima Donna”, dove spicca Lucy, la prima Eva, un omaggio alla donna vissuta sulla terra tre milioni di anni fa, un tuffo – permeato di fonti di ispirazione tribali – nel nostro trascorso ancestrale, in cui la testimonianza sposa l’utopia. Nella collezione “The monsters under my bed” l’attualità torna al centro del discorso: lo sguardo acuto, critico, militante verso episodi di violenza (Ti mangio! Te como!) e sopraffazione (Desaparecidos), verso personaggi dal potere molesto (I signori della guerra – Los señores de la guerra), verso vizi e corruzione, ricorda in sottotraccia – anche nel segno affilatissimo della matita – le condanne di Goya, i cicli leggendari de I Disastri della guerra o I Capricci.

La formazione sui grandi classici della sua cultura d’origine, dalla scuola di Madrid (da El Greco a Solana) fino al surrealismo spagnolo, si intravede oggi, ancor di più, negli esemplari della nuova serie “Peccati e virtù”. Si tratta di dipinti di medie e grandi dimensioni, oli su tela e disegni a matita grassa, studiati come allegorie di perversioni capitali che scuotono le coscienze. La pittura, fatta di modulazioni di colore impercettibile, tratti minuti in punta di pennello su superfici ampie, indaga in modo infinitesimale corpi sospesi in bilico fra bene e male, la loro indole segreta, messa a nudo da un linguaggio espressivo visionario e insieme introspettivo.
Sarà esposto per la prima volta, in occasione di questa importante personale milanese, anche il nucleo inedito di quattro sculture legate a temi analoghi del ciclo “Predatores”, con un gusto per il reperto paleontologico, il fossile, la vita calcificata nella roccia e nella materia.

Nato a Madrid nel 1965, José Molina vive e lavora in Italia, a Gravedona, sul lago di Como. Giovanissimo, all’età di unici anni, comincia il suo percorso artistico, frequentando varie scuole d’arte. A diciotto anni si impiega nel settore pubblicitario mentre conclude gli studi all’Università delle Belle Arti di Madrid, coltivando, in parallelo con la passione per l’arte, la ricerca nei campi della psicomotricità, della psicologia transazionale, della filosofia e della storia antica. Si dedica all’illustrazione per il mondo della televisione e dei cartoni animati, operando come consulente nella comunicazione di grandi aziende multinazionali. A trentacinque anni, decide di tornare alle radici e di dedicarsi totalmente alla pittura. Le sue opere sono il frutto di una ricerca sull’uomo, che affronta con grande sensibilità, mettendo in luce gli aspetti più bui della nostra natura. Una abilità tecnica applicata ai linguaggi della pittura e del disegno si unisce a una profonda conoscenza dei diversi materiali, riscontrabile nella cura e nell’attenzione ai dettagli che contraddistinguono le sue opere.

Fonte arte.it

Fino al 26 Novembre 2016

Milano

Luogo: Galleria Deodato Arte

Curatori: Chiara Gatti

Telefono per informazioni: +39 02 80886294

E-Mail info: galleria@deodato-arte.it

Sito ufficiale: http://www.deodato.com/

Mimmo Paladino a Milano

La Galleria Stein, nei suoi due spazi di Milano e Pero ospita un’ampia retrospettiva di Mimmo Paladino. Un unico evento, declinato in due sedi, che racconta, attraverso più di venti dipinti e sculture insieme ad alcune celebri installazioni, la genesi e i passaggi più significativi della vicenda creativa di uno tra i più importanti artisti italiani contemporanei.

Il percorso espositivo, ordinato in sette sezioni tematiche, prende avvio da Milano, dove sono raccolti i lavori iniziatici di un giovane Paladino che negli anni settanta si rivolge alla pittura per definire la propria identità.
Quindi, a Pero, nella più grande delle sei sale, viene ricostruita, per la prima volta dopo 28 anni, la grande installazione presentata alla Biennale di Venezia del 1988. È l’opera che diventa il fulcro attorno al quale ruota l’avventura di un artista ormai maturo e consapevole di sé. È proprio in questa occasione che Paladino dimostra di aver saputo rielaborare ed estendere, oltrepassando la superficie delle pareti, il suo lavoro con il segno, il colore e i materiali più vari.
La rassegna ripercorre alcune delle tematiche tipiche della cifra espressiva dell’artista campano, dalle geometrie che analizzano lo spazio e lo ridisegnano, alla scultura che è riflessione sugli elementi archetipici di forma e volume, fino alla sala dei grandi quadri dai colori primari, gialli, rossi, bianchi e neri.

Mimmo Paladino - Senza Titolo 2006, arte.it

La sala dell’oro, uno degli elementi fondanti del linguaggio di Paladino, tra la luce gialla e i timbri del nero e del bianco che ne punteggiano la superficie, fa da controcanto luminoso alla grande opera dei legni bruciati tra arti spezzati e figure nere consumate dal fuoco.

L’opera di Paladino si manifesta in tutta la sua complessità, svelando la formazione concettuale e analitica, dato imprescindibile di un lavoro pittorico mai casuale, che spazia fra le istanze della tradizione e quelle dell’avanguardia e attinge da culture arcaiche ed extraeuropee.

Le immagini salienti della carriera di Paladino rivelano come molte sue opere, già dai primi quadri attraversati da rami e legni oppure affiancati da elementi tridimensionali, si presentino come vere e proprie installazioni.
Tutto ciò rivela quanto i suoi soggetti non siano mai semplicemente figurativi. Le immagini, infatti, spesso scaturiscono dalla stratificazione di segni e materie, che creano grovigli e frammenti, dichiarando, nascondendo, o solo alludendo, un significato.

Nei suoi lavori si legge l’affiorare di una cultura arcaica e mediterranea, al punto che il linguaggio dell’arte e la pratica d’artista con Paladino sembrano essere qualcosa di magico o di sciamanico, il luogo di un rito o di una tragedia. Le sue opere, pur essendo figurative e simboliche, evocano significati e contenuti senza mai svelarne l’origine, ma solo esprimendone l’ombra, la maschera o la traccia archetipica.

Nessun “Dubbio”: una mostra inconsistente. Carsten Holler

La mostra di Carsten Holler a Milano allestisce all’interno dell’ampio e austero spazio del  Pirelli Hangar Bicocca una sorta di tetro Luna Park per adulti, una scenografia perfetta per una serie tv a sfondo horror, dove alla fine nulla accade.

Il titolo della mostra – “Doubt” – suggerisce l’interpretazione chiave per questo percorso di opere di grande formato. E’ un lavoro sensoriale ed esperienziale quello di Holler che ha l’intenzione di far dubitare delle proprie percezioni fisiche e spaziali. Strumenti di questo inganno dei sensi sono il buio, gli specchi, la luce a neon e due giostre da festa di paese. Un Luna Park per l’appunto, al chiuso di una ex fabbrica senza stelle in cielo e senza zucchero filato.

I dubbi che Holler vuole instillare in chi si confronta con i suoi lavori sono puramente materiali, non c’è nessun tipo di rimando a qualcosa che non siano le opere stesse, nessuno spunto di riflessione più ampio. Ciò che attende il visitatore sono ingombranti e poco originali giochini che intrattengono per poi essere facilmente dimenticati.

L’ingresso alla mostra è attraverso l’opera “Y” una passerella con una biforcazione circondata da luci intermittenti che obbliga a una veloce scelta di direzione – destra o sinistra – che si rivelerà poi del tutto ininfluente sull’esperienza della mostra. Decisione questa discutibile che invece di sottolineare l’importanza di quest’opera, come dichiarato dall’autore, la indebolisce e  mette si un dubbio, ma sulla qualità dell’intera mostra fin dai primi passi.

Dubbio che permane e si acuisce considerando la divisione in due parti simmetriche e uguali dell’esposizione che secondo le intenzioni dovrebbe nascondere allo sguardo metà delle opere per poi poterle ricomporre solo mentalmente una volta che si torna indietro dall’altro lato verso l’ingresso/uscita. In realtà questa divisione non è affatto netta e il visitatore passa da una parte all’altra con estrema naturalezza senza che neanche balzi alla mente di essere costretti a una vista parziale sulle opere. Addirittura per far “danzare” in aria delle riproduzioni giganti di fumettistici funghi allucinogeni bisogna proprio afferrare il meccanismo e girarci ampiamente intorno.

Passando tra porte girevoli a specchio e lampade fluorescenti si arriva a due giostre che sembrano ferme, invece girano molto molto lentamente. Un altro esempio piuttosto superficiale di inganno dei sensi che non produce nè sorpresa nè divertimento, tantomeno riflessione.

Una volta usciti dal percorso espositivo il dubbio sulla validità della proposta artistica di Holler è chiarito. E’ uno di quei casi in cui le dimensioni e lo scintillio luminoso delle opere suppliscono all’inesistenza del messaggio lasciando un senso di delusione e insoddisfazione causato dalla vacua fama dell’autore e dalla  mancanza di compiutezza di un progetto dalle intenzioni presuntuose.

Gli anni della pittura analitica

La pittura viene periodicamente data per morta. Tra gli anni Cinquanta e gli anni Sessanta, in particolare, l’Arte Concettuale sembrò averne per sempre decretato l’inutilità. Eppure, tra la fine degli anni Sessanta e l’inizio degli anni Settanta, in Europa ma soprattutto in Italia, molti artisti non abbandonarono il campo e tentarono, ancora una volta, di rifondare la disciplina pittorica ripartendo da una sorta di «grado zero»: individuare alcuni elementi caratteristici di questo linguaggio e sondarne tutte le possibilità. Era nata la Pittura Analitica.

Temi come il colore, il supporto, il materiale, il processo di lavoro, lo spazio pittorico, furono affrontati da un variegato ma interessantissimo gruppo di artisti. Negli anni Settanta, infatti, colore, telaio e tela tornarono ad essere quello che erano sempre stati, cioè strumenti indispensabili della forma espressiva pittorica. Preceduto negli Stati Uniti da ricerche affini ma dai differenti presupposti, questo comune sentire ebbe in Europa il suo terreno di sviluppo. L’Italia fu epicentro di questa rinascita, che affrontò tutti i fondamenti del «fare pittura».
I “pittori analitici” furono per alcuni anni al centro dell’attenzione di critica, pubblico e mercato. Poi, tra la fine del decennio e l’inizio degli Anni Ottanta la Spontane Malerei in Germania e la Transavanguardia in Italia riportarono la figurazione a un ambiente artistico internazionale di nuovo pronto a leggere e apprezzare la pittura.

La mostra di Verona, promossa dalla Fondazione Zappettini per l’arte contemporanea, in collaborazione con FerrarinArte, ambisce a essere un’esposizione definitiva, che segni un punto fermo nella riscoperta storica e critica della Pittura Analitica. Le opere esposte, appartenenti agli anni Settanta, proporranno al visitatore uno sguardo sì approfondito sul lavoro di ciascun artista, ma soprattutto una visione d’insieme che renda palese la vicinanza delle ricerche degli artisti stessi. Il pubblico potrà comprendere perché all’epoca più di un critico in Italia e all’estero videro questi artisti come una “situazione” o un “movimento”.

link: Palazzo della Gran Guardia

Fino al 25 Giugno 2016
da Martedì a Domenica 10:30-19:00
ingresso libero

piazza Bra 1, Verona

Felix Gonzalez Torres a Milano

Questo progetto espositivo ha luogo nei mesi di maggio, giugno e luglio del 2016 presso gli spazi della Andrea Rosen Gallery a New York, di Massimo De Carlo, Milano e Hauser & Wirth, Londra.
L’opera di Gonzalez Torres torna per la prima volta a Milano dalla sua ultima mostra – presso la Galleria Massimo De Carlo – del 1991, ed è anche un ritorno a Londra dopo la retrospettiva dedicata dall’artista alla Serpentine Gallery del 2000. Negli ultimi dieci anni la Andrea Rosen Gallery si è dedicata a una serie di doppie personali che hanno messo a confronto l’opera di Gonzalez Torres con artisti del calibro di Joseph Kosuth, Agnes Martin, On Kawara e Roni Horn: ma questa occasione è la prima personale organizzata nella galleria newyorkese dal 2000.

Ogni sede della mostra si concentra su una componente essenziale della pratica artistica di Gonzalez Torres, e si focalizza sul dialogo presente all’interno dell’opera dell’artista. L’esperienza visiva e concettuale di ognuna delle tre parti della mostra si propone di essere allo stesso tempo autonoma e parte di un insieme. Le due curatrici hanno selezionato le installazioni e le opere presenti in ciascuna sede così che ogni parte della mostra, e dunque ogni sede, possa offrire l’opportunità di concettualizzare in maniera più ampia e più complessa la pratica dell’artista per evitare di presentare, e dunque di preservare, una sola interpretazione univoca del lavoro dell’artista. La profondità con cui le curatrici hanno messo in atto le loro scelte specifiche incoraggia lo spettatore a immaginare nuove possibili mostre e installazioni che soltanto l’opera di Gonzalez Torres, con la sua molteplicità e duttilità, può consentire.

“Il fallimento dell’arte concettuale è in realtà il suo successo. Perchè noi, nella prossima generazione, abbiamo preso quelle strategie e non ci siamo più preoccupati se un oggetto sembrasse arte o meno, quello era affar loro… Credo fermamente nel guardarsi indietro, tornare a scuola e leggere libri. Si impara da queste persone. E poi, fiduciosamente, provi a farcela, non meglio (perchè non puoi farlo meglio), ma provi a farlo in un modo che abbia senso. Come nel Don Quixote di Pierre Menard di Borges; è esattamente la stessa cosa ma è meglio perché è adesso, è stato scritto con una storia di adesso…”
Felix Gonzalez-Torres, intervista con Robert Storr, ArtPress, 1995

link: Massimo De Carlo

Fino al 20 Luglio

dal Martedì al Sabato: 11.30 – 19.00
ingresso libero

via Giovanni Ventura 5, Milano